Arte en Resistencia

Argentina: Represión y detenciones en Tigre durante el Festival de Artistas en Lucha

2009-02-28T22:13:00.001-05:00

Siete hombres y dos mujeres permanecen detenidos en la comisaría primera de Tigre tras la represión policial producida hoy durante el Festival por la despenalización del arte callejero organizada por el grupo de Artistas en Lucha de Tigre.

Más de 50 personas se encontraban participando del festival frente a la estación fluvial cuando iba a dar comienzo una función de títeres que continuaría con una exhibición de murgas.

Personal policial y municipal exigió que se retiraran dado que no tenían permiso para hacerlo. Justamente el motivo de dicho evento es que no se les autoriza a los artistas la realización de sus actividades en dicho espacio público.

Dado que había mucha presencia de niños, los organizadores prefirieron levantar la función y, cuando comenzaban a retirarse, la Policía inició la represión con golpes y balas de goma.

Una situación similar se produjo en enero cuando fue organizado el primer festival, en esa oportunidad el grupo de artistas manifestó: “Los funcionarios de Tigre entregan los espacios públicos a los grandes empresarios como si les perteneciesen a ellos, para que puedan seguir llenando sus bolsillos!!! a los ciudadanos comunes los reprime cuando hacen uso de este mismo espacio público para trasmitir cultura”.

Contacto: Verónica - Asamblea de artesanos - (011)15-3195-8205

Premiere de Travesuras en el cementerio

2008-11-16T19:43:00.002-05:00

"Una película muy artística y muy moderna llena de cosas muy sensacionales"

Con la actuación de María Eugenia Dávila (El día que me quieras, señora Isabel), Daniel Páez (PVC1, La cerca), Guido Napolitano (Arg), Carlos Gutiérrez (Sin Mente, Buscando a Miguel), Ignacio Pinilla, Karen Gary y un selecto reparto de talla internacional.

"Travesuras en el cementerio" cuenta la historia de dos pésimos aprendices de matón que reciben una valiosa lección: saquear tumbas para conseguir superpoderes es algo muy peligroso. Dirigida por el sensacional Rodrigo Torrijos.

MIÉRCOLES 26 DE NOVIEMBRE
MUSEO DE ARTE MODERNO DE BOGOTÁ
ALIAS "MAMBO"
7:30 PM
ENTRADA LIBRE
LICORES CORTESÍA DE LA EMPRESA DE LICORES DE CUNDINAMARCA... !UUU!

México se inundará de Frida

2007-01-10T09:00:00.000-05:00

A cien años de su nacimiento, las obras de la pintora se presentarán en una magna exposición y en el Fórum de Monterrey, en septiembre. Plasmarán su imagen en los nuevos billetes de 500 pesos, lanzarán un dvd y una ópera-rock con su vida.

Leer noticia en Agencia Periodística del Mercosur

Contra la prohibición del arte en Palmira

2006-12-23T10:05:00.000-05:00

El caricaturista Rodrigo Posada Correa "Ropoco" ha sido víctima del atraso cultural y estupidez administrativa del municipio de Palmira (Valle del Cauca, Colombia). "Prohibido prohibir" es el artículo que el arquitecto Carlos Alberto Franco publicó a manera de solidaridad y denuncia frente a esta infamia que sólo puede derivarse de un municipio colmado de politiquería, corrupción y fracaso cultural.

"Palmira sin infamia" expresa su solidaridad con el caricaturista Ropoco, cuyo trabajo permanece en nuestra memoria a pesar de la brocha estúpida de la administración de Palmira. Afortunadamente nuestra memoria es a prueba de pintura y olvido.

INICIA LA SELAI

2006-11-28T11:19:00.000-05:00

Ardientes latinos queman Barcelona!

Vuelve la SELAI. Por segundo año consecutivo tendrá lugar la Semana latinoamericana de arte independiente en Barcelona. Artistas, teóricos y trabajadores culturales se concentrarán para pensar-accionar Latinoamérica desde una perspectiva crítica.

La SELAI se llevará a cabo del 14 al 17 de diciembre.
Convocatoria está abierta hasta el 30 de noviembre.

Más información: www.selaibcn.co.nr
Contacto: selaibcn@gmail.com

CONVOCATORIA happy days

2006-06-29T16:55:00.000-05:00

"TODO EL INTENTO DE HACER ARTE POLÍTICO SE CONVIERTE INMEDIATAMENTE EN UN BIBELOT LUJOSO Y ESNOB PARA BURGUESES QUE PUEDAN PERMITIRSE TENERLO EN SU CASA... LO QUE SUELEN LLAMAR ARTE POLÍTICO ES ARTE POLÍTICAMENTE CORRECTO."

Felix de Azua.

TRASLACION - SUBLIMACION

Días Felices, Traslación - Sublimación busca cuestionar al hombre del común, domesticado, victima de su ración diaria y gratuita de realidad televisiva y mediática. ¿Pero cuál realidad?… Sabemos que la certeza es aparente, que la verdad es solamente un acuerdo cultural acerca de lo que es debido o convenido… o al menos eso creemos. Finalmente, lo cierto, lo REALity es el sobreposicionamiento del discurso en una relación de poder – subordinación.

EXPOSICION AUDIOVISUAL FICCION NO FICCION

Se convoca a artistas plásticos profesionales con obras que aborden problemáticas vinculadas al tratamiento de los conceptos de realidad y verdad a través de los medios de comunicación y expresión y las consecuencias e impacto de esta mediatización en el ciudadano y en sus concepciones de valor y aproximaciones a conceptos como violencia, patria, democracia, cotidianidad, entre otros. Esta propuesta se alienta en la evidente y más reciente herramienta de sublimación y traslación de la verdad llevada a cabo por los medios, nos referimos al fenómeno televisivo de espectáculo que alimenta estas nociones y a su vez las evidencia: los reality shows.

ARTE EN LA EDUCACION

2006-03-20T22:32:00.000-05:00

Una reflexión desde el oficio

Gracias al contacto con el arte, con el deseo de crear, nuestros juicios y concepciones se van transformando. Cada vez que, dentro de la experiencia artística, uno se pregunta: “¿Qué voy a hacer? ¿Qué medio voy a usar? ¿Qué quiero decir?”, está indagando más allá del oficio. De este modo el arte se va haciendo un área de experiencia en la cual tenemos contacto con el entorno, con otras ciencias y con nosotros mismos.

Cuando se concibe la idea de un área de experiencia como estructura de pensamiento y de aproximación al conocimiento, se empieza a identificar dentro del acto creativo qué estructuras y relaciones cognitivas encontramos, cuáles motivaciones son más fuertes y sobre todo qué herramientas facilitan la labor artística y ayudan a desarrollar este aspecto espacial y social del arte.

Es imprescindible plantear una propuesta propia donde el arte plantee reales soluciones a un sistema educativo cargado de fallas y carencias y a un alumnado constantemente cargado de problemáticas familiares, curriculares y sociales.

Existen muchas experiencias a nivel nacional tales como el Museo de la Ciencia y el Juego, programa que dirige la Universidad Nacional de Colombia, donde es cotidiano encontrar espacios lúdicos, artísticos y educativos en armonía y con gran acierto práctico encontrar espacios de reflexión y preparación del maestro para su contacto con el niño como en el caso del programa Cuclí Cuclí, el Viaje de las Pléyades, y es en estas experiencias donde debemos indagar para poder encontrar ese punto donde la realidad se transforma ante los ojos de la lúdica y el arte.

La educación para la convivencia y el afecto se trata de crecer juntos, de cultivar valores profundos de lealtad, confianza, seguridad e independencia. A través de los vínculos de responsabilidad que genera el afecto se afianzan verdaderamente los valores éticos: mientras más vínculos afectivos profundos se hayan cultivado, mayor responsabilidad social se adquiere.

Se pretende establecer pautas para un aprendizaje autoobservativo, crítico y reflexivo que permita al individuo encontrar puntos de interés entre lo personal y lo colectivo.

El área de experiencia como proyecto es un espacio cuyos intereses se mueven dentro de un desarrollo sociocultural del niño, en cuanto a formación de valores y principios morales que lo conduzcan no sólo a una inserción en un medio (sociedad) sino también a un goce de la vida cotidiana. Su reflexión se enfoca sobre la vida y los intereses de los individuos.

Se debe estudiar la posibilidad de rescatar el arte del carácter "técnico", cuyo producto se vuelve medible directamente proporcional a las fechas o eventos especiales (días de la madre, amor y amistad, 31 de octubre, etc.) y empezar a plantearlo dentro de las instituciones como un apoyo para la formación y la aproximación a otros saberes.

Apoyados en una metodología del juego y la expresión donde se deja actuar al niño libremente, se plantea un trabajo no directivo, abierto al diálogo y con una posición clara de escucha

El oficio del artista o docente en el área de experiencia no puede ser reducido al dominio de principios o técnicas que se aplican para la creación de un objeto final; tampoco a un ejercicio aleatorio que se inventa en cada momento, o a una estrategia para lograr resultados: exige que se construya sobre el saber que procede de la experiencia sometida a discusión y critica.

Sitúa en un contexto un acontecimiento o problema, además incita a ver cómo modifica este contexto o lo aclara, hace apto al individuo para responder los desafíos de la vida cotidiana. Presenta una mirada crítica y reflexiva sobre la relación ineludible del arte con la experiencia vivencial.

Enmarcamos el área de experiencia en el rito educativo, que integra la vida cotidiana, las creencias, las actividades, donde cada participante redescubre a ritmo propio su universalidad y pertenencia. En cada uno de estos momentos estamos usando los medios del arte y sus técnicas con un fin de reencuentro, inserción, reafirmación y trasgresión.

En estas áreas, los montajes o módulos interactivos serán objeto de estudio e investigación con el fin de comprenderlos y analizarlos, y pueden ser manipulados y explorados constantemente por los niños. Se busca que el niño vaya tentado a explorar y a construir significados con base en la interacción dada.

La estimulación de los sentidos, desarrollo motor, juegos de imitación, desarrollo intelectual, son aspectos que se incluyen dentro de cualquier actividad artística, por ello se plantean unas temáticas generales, que incluyen actividades de desarrollo técnico y conceptual del arte.

No deseamos que el arte se exprese en una clase, sino que a través de todas las formas y objetos se haga fundamental en la enseñanza.

La investigación y las demás características son aspectos que apoyan en la construcción de saber, formando parte de la aproximación a la estructura del pensamiento artístico, donde el acto y el conocimiento no se limitan a una funcionalidad: la importancia prima en el proceso.

La investigación está asociada con la curiosidad y la capacidad de explorar el medio, a través de la actividad corporal y el uso de los sentidos.

El desarrollo de la imaginación permite al individuo tener la capacidad de transgredir la lógica del sentido común y de atreverse a pensar en modos novedosos de resolver problemas.

Percibir es fijar la atención en una sensación, en un estímulo y hacerlo consciente. Al percibir algo que para mí es nuevo, se transforma mi relación con el entorno, se desestabiliza e inicio una nueva elaboración de respuestas y actuaciones en concordancia con la nueva información percibida.

Observar es darse el tiempo y ejercer el derecho de asombrarse ante el mundo, de detallarlo, de distinguir sus formas y colores, de cambiar la perspectiva desde la que siempre lo miramos, de ver desde diferentes ángulos y enfocar para ubicar nuevos planos y encuadres diversos y descubrir contrastes y relaciones que antes no conocíamos. La búsqueda de una percepción y observación consciente y crítica nos hace acudir a otros recursos del conocimiento, a otras maneras de mirar u observar que nos permitan trascender las sensaciones para adentrarnos en el mundo de las ideas, de la reflexión y la construcción de relaciones.

Simbolizar. El ser humano tiene la capacidad de crear símbolos, de leer y utilizar los ya establecidos y de interpretar o construir significaciones a partir de ellos. Todo proceso humano cognitivo humano está cargado de símbolos y de lenguajes, y su importancia se debe no sólo a que se representen y puedan ser interpretados, sino a que la construcción del conocimiento requiere del diálogo constante entre unos y otros. En el arte el símbolo es nuestra herramienta de comunicación entre lo individual y lo colectivo.

Memoria es la capacidad de retener información para hacer uso de ella posteriormente y poderla relacionar y trasmitir. La memoria individual es la base de una memoria colectiva, más amplia. La memoria colectiva posibilita la construcción de una tradición oral y una cultura, permitiendo que el conocimiento trascienda y se constituya una historia y así mismo se posibilite la capacidad de transformarla. Cuando conocemos una situación en todos sus aspectos, la analizamos, estamos en capacidad de formular variantes. Cada nueva labor trae el respaldo de una experiencia previa, conclusa o inconclusa que nos ofrecerá un apoyo para avanzar firmemente.

Preguntar: la posibilidad y actitud permanente de preguntar establece la duda frente a lo que aparentemente es obvio o natural y nos permite abrir más puertas para saber más. Lo importante, más que una respuesta sencilla y rápida, es el camino de la búsqueda que nos implica desafíos y superaciones y nuevas preguntas.

Experimentar: una de las características del ser humano es que tiene la capacidad de prever el futuro, de proyectarse hacia adelante y visualizar nuevas situaciones. El experimento es una manera de trabajar con esa proyección, el experimentar es más que un recurso pedagógico para entretener o motivar, se trata de hacer realmente participativo y activo el proceso de construcción del conocimiento y que cada una de las personas reafirme su confianza en sus propias habilidades y capacidades para construir saberes.

V de Vendetta

2006-03-20T22:23:00.000-05:00

(Viernes 17 de Marzo 2006)

Dirigida por James McTeigue

JEFF SAWTELL se encuentra en una Gran Bretaña totalitaria post-Blairiana, donde un hombre con una extraña máscara está promoviendo la revolución entre el pueblo.

V de “vital”, puesto que, además de promover el terrorismo, celebra realmente la destrucción de los famosos símbolos británicos de ley y orden, de una manera que fue iniciada por los conspiradores de la pólvora.

Originalmente concebida por Alan Moore como una historia de ciencia ficción de un estado fascista post thacherista, “V de Vendetta’ ha sido transformada por los creadores de la serie Matrix en de una historia futurista de una Gran Bretaña totalitaria post-Bleiriana.

Moore se ha distanciado de la producción de los hermanos Wachowski, posiblemente porque su modesta fábula antifascista se ha convertido en un éxito comercial sin alma.

Es el 2020. Los EUA - “Esfínter Ulceroso del Ano” - está experimentando una guerra civil en forma de virus mortal y Gran Bretaña está siendo manejada por la figura de un Gran Hermano (John Hurt) con la ayuda de las corporaciones de medios públicos.

Repentinamente, el Old Bailey estalla y un vigilante llamado V (Hugo Weaving) en una mascara de Guy Fawkes declara que él va a destruir el Parlamento el 5 de noviembre del siguiente año.

Él es como el Fantasma de la Opera, resurgiendo como un ave fénix de las llamas. La devastación causada a su cuerpo por cierto experimento científico en una institución gubernamental es demasiado horrible.

Perseguido por una unidad policial encabezada por un detective potencialmente honesto (Stephen Rea), rescata a una joven reportera de TV (Natalie Portman) y la entrena para que se de cuenta de su potencial revolucionario.

Con todo un elenco de personajes interpretados por talentos como Stephen Fry, Tim Pigott-Smith, Rupert Graves y Sinead Cusack, sigue una trama ya explorada por 1984 antes de ser llevada a la explosión de la historieta.

Naturalmente, con las referencias al Corán prohibidas y su irrespeto por los gobiernos organizados durante la guerras yanquis en el mundo, la película ha motivado que la prensa de derecha la ataque por “glorificar el terrorismo”

Lo Peor – y la creencia de este humilde servidor – es que realmente promueve el fascismo.

Aunque esencialmente anarquista en espíritu, porque sugiere el cambio como un resultado de una iniciativa individual que inspire a las masas, esta no es fascista ni, por tal razón, políticamente frívola.

En cuanto a lo antigringa, esa carga podría ser igual que en muchas películas, no menos que Star Wars, puesto que aboga por una alianza de los combatientes de la libertad contra el imperio del mal sumido en una conquista imperial.

Todo lo que nos prevenga del creciente totalitarismo debe ser bienvenido. También es pertinente que nos anime a contrarrestar la creciente parálisis de la apatía política.

Algunos han sugerido que sigue la tradición de 1984 de Orwell. No es cierto.

Orwell promovía un fatalismo cínico, que todos tenían un precio. Moore claramente piensa que, dada una inspiración, las masas se tomarán el estado.

Como V declara, “el pueblo no debe temer de su gobierno. Los gobiernos deben temer a su pueblo”. Es una declaración que debería inscribirse en cada constitución democrática.

Hugo Wearing, quien fue incluido ha ultima hora después de que el actor original se retiro, logra transmitir un personaje complejo mientras usa un mascara horrible de Guy Fawkes todo el tiempo.

Por que Guy Fawkes? El no fue un revolucionario. Por el contrario, el apoyo la Contra Reforma y fue incluido dentro de la conspiracion católica de 1604 para asesinar a Jaime I porque la Inglaterra pos isabelina estaba retando cada vez mas la hegemonía imperial española.

Es como apoyar a un cubano pro yanqui que trate de asesinar a Castro. No importa, el tipo sigue siendo un símbolo poderoso en la historia británica porque ha sido caricaturizado como el “único hombre honesto dentro del parlamento”

La dificultad con Vendetta es su simplismo político, el argumento de que una idea puede ser inyectada en el pueblo por un solo sujeto- la gente se levanta listo para tomar el uniforme de su autoproclamado salvador.

Sin embargo, dadas la voluntad de borregos en algunos países antes socialistas para vestirse de naranja y ondear símbolos de McDonald, pueden olvidarse de creer en la posibilidad de tal espontaneidad revolucionaria.

Obviamente, tales situaciones son orquestadas por agentes del imperialismo gringo, así como estuvieron detrás de los mojahedin amantes de la libertan en Afganistán que luego crearon el Taliban y Al-Qaida.

En cuanto a su promoción del fascismo en Croacia para romper Yugoslavia, ellos aun mantiene que todo se debió a los errores de un ex comunista, ahora convenientemente muerto e incapaz de responder las acusaciones.

Los individuos son importantes. Las ideas pueden ser llevadas a las masas, pero, para que tengan un efecto, ellas necesitad caer en tierra fértil: masa capaz de ser educadas y organizadas

Si, V de Vendetta es infantil. Y que?

Esta no es la Batalla de Argel, esta dirigida al público que voto por King Kong como la mejor película, no a los estetas que premiaron con un Oscar una sentimental historia de amor entre dos vaqueros homosexuales.

JEFF SAWTELL

2006-01-13T22:51:00.000-05:00

¿CHÁVEZ ES FEO? “LA REVOLUCIÓN BONITA¹”

Estética Revolucionaria

¿Cómo hacer visible la belleza convulsiva² de la Revolución Bolivariana?

Mientras los dispositivos alienantes del neoliberalismo buscan por el mundo la manera de “dominar” cerebros y entristecer corazones, la Revolución Venezolana avanza paciente y esmerada (o sea a su ritmo) en la búsqueda de sus símbolos nuevos, sus emblemas frescos, sus lenguajes florecientes. Mientras el Imperialismo neo-nazi genera muerte, destrucción, miseria y barbarie en los países coloniales y semi-coloniales; mientras pinta con desolación los imaginarios actuales, mientras hace lo indecible por secuestrar y fulminar al porvenir… mientras padecemos el gran embrollo de las mafias mercantiles trasnacionales; Venezuela crea colores, canciones, teatro, poemas, danza… cine y televisión en pleno proceso revolucionario. Venezuela, desde abajo, hace lo que debe hacerse: hace que la ética sea la estética del futuro.

Pongamos, por ejemplo la guerra contra la cultura de la burocracia³, lucha hermosa si las hay.
Pero eso no se logra por decreto ni con “buenas voluntades”, no se consigue con “buenos propósitos”, ni con “buenos muchachos”. La producción de un movimiento estético genuino, desde las bases, no se logra a con escarbar en los repertorios folklóricos para revivir lo que le “gusta al pueblo” y disfrazar de popular aquello que decide una élite. Las condiciones y los tiempos han cambiado. No se madura una estética revolucionaria sólo por inventar fraseologías novedosas “lindas”, en audiovisuales, estaciones radiofónicas, realizaciones revisteriles o cibernéticas… No nacerá semejante estética de la Revolución plagiándose la vieja estética de las oligarquías, su pasión dudosa por los “clásicos del arte” ni sus adoraciones demagógicas por la “ilustración”. El surgimiento de un proyecto estético revolucionario no nacerá de los costumbrismos, de los conservadurismos, de las burocracias ni de las sectas. No será obra de los funcionarios ni de los empresarios. Es imposible revitalizar el mundo en que vivimos, es inútil aferrarse a él, es preciso atreverse a cambiarlo críticamente desde sus logros mejores y desde abajo.

Si hay un movimiento estético naciente lo hay porque hay proceso revolucionario y a él responde. No hay mejor motor hacia una producción estética radical (desde las raíces) en Venezuela que la propia revolución hacia el socialismo. Pero se trata de una producción en transición que refleja su dialéctica y sus urgencias. No puede haber una producción simbólica, una revuelta de los signos, un ascenso semiótico, artístico, comunicacional, revolucionario definitivo y absoluto. Es simplemente un error esperar que la semiosis actual de Venezuela alcance para emblematizar a la Revolución toda, que apenas nace, porque aun sus mejores triunfos serán siempre perfectibles.

La belleza de la revolución no nace de los “mass media”, la belleza de la revolución no sale de los discursos, la belleza de la revolución no nace de los congresos ni de los simposios. Nace de la Revolución misma. Pero su nacimiento es un parto difícil y es necesaria una mayéutica⁴ que ponga atentos y obedientes a cuantos actores sean capaces de apoyar, proteger y construir la transición, el parto. Que nazca la Revolución no implica que viva, habrá que hacer miles de cosas para que su belleza convulsiva y transformadora crezca, embarnezca y luzca plena para todos. Mayéutica con políticos, militares, economistas… mayéutica barrio adentro, alma adentro, cerebro adentro con campesinos, estudiantes y obreros. Mayéutica con todos y en todos. La estética de la Revolución requiere medios de comunicación para hacer visible la Belleza Revolucionaria que todos la vean y comparen lo que aportan, que todos la miren activamente, sus medios y modos, las relaciones sociales para producirla y que la extienden y perfeccionen, que sean esos medios la revolución Bonita de Carne y hueso que no la den por “terminada”, que no la den por institucionalizada, que no la den por “definitiva”. Que la hagan Revolución Permanente. Radiodifusoras, televisoras, periódicos, páginas web… revolucionarios y revolucionándose incluso, claro, en la estética también. La clave es insistir, insistir, evaluar y volver a probar con un programa revolucionario consensuado e incisivo.

La Revolución Bonita transformará el estado de cosas que la humanidad heredó. Transformará todo con una lucha semiótica contra los conceptos o significados que la han frenado. Tomará de ellos lo mejor y avanzará permanentemente. O será nada. Hay que capacitarse para dominar las técnicas y capacitarse para liberarnos de los esquemas ideológicos más pertinaces y contradictorios, clichés que repetimos inconscientemente, o casi. Educarnos para des-educarnos y re-educarnos Educarnos para superar lo que nos enseñaron, educarnos para ser sensibles a nuestras sensibilidades nuevas. Educarnos para una estética que no conocemos, que nos impone desafíos nuevos y que, para ser fiel a la revolución, se mantendrá en cambio constante. Entonces educarnos para superar lo que hemos sido y ser esta vez mejores… eso sería hermoso ¿No?

Un ejemplo ¿Intrascendente?

Estudiar la profundidad de una transformación en la estética de la sociedad, desde la médula misma, no es cuestión sólo de artistas, galerías, políticas culturales o sabihondos del “buen gusto”. Los poetas, pintores, músicos, teatristas, vídeo astas, intelectuales, bailarines… no son más dueños ni más hacedores de Belleza que los obreros, los panaderos, los electricistas... El problema está en la sangre y en los huesos, en las circunvoluciones mismas del cerebro y tatuado a la vida diaria. Hay que ver. Una mujer, entrada quizá, en el segundo lustro de sus sesenta años, dijo con un matiz fonético no venezolano y con la impudicia que suele tenerse bajo ciertos efectos ideológicos: “Que feo que es Chávez”. ¿Qué representa, cuánto representa a cuantos expresa? Lo dijo en el restaurante de un hotel en Caracas, durante la cena. Demos fe. Otra mujer, sentada a la mesa no muy lejos, que se sintió tocada por el rayo de ciertas coincidencias de clase, con una mirada cómplice, más sonrisa socarrona que mirada, tejió una red de complicidades históricas; con estratificaciones insondables y perfiles escuálidos “for export” incontables. Movió la cabeza lentamente, de arriba abajo, con un veredicto cómico y vengador en nombre de la burguesía latinoamericana y local. Asintió con convicciones absolutas. Fue cosa de un instante. Ambas mujeres “guapas”, foráneas con la guapura estándar del “buen gusto” estándar. Perfumadas de manera estándar, teñido el pelo de manera estándar y con joyería estándar, destilaban feromonas muertas en una epopeya matrimonial estándar que, a todas luces, resultó tragedia. De los maridos sólo era visible la espala añosa y encorvada por los años y los kilos.

Pasó al lado de esas mujeres, como quien va al baño, otra dama estándar, también nalgona y embutida en sus ropas, gorda estándar, venezolana a decir por el “cónchale vale, hasta que alguien dice algo sensato” que masticó audiblemente mientras sucumbía a un orgasmo político de ocasión. Un triangulo de miraditas, una moraleja reptante, un brillo de labios, (estándar), malicioso. Todos sentimos pasar el viento de La Revolución Bonita que cimbró los valores estéticos de esa clase en franca crisis y decadencia. De no ser así nadie hubiera detectado el cuadro tragicómico de esa expresión con lamento grotesco. Chávez sabrá disculpar.

Ontología concreta de la Revolución Bonita

La estética revolucionaria en tanto que producción social de imágenes e imaginarios para la transformación, hacia fuera y hacia adentro, ha de ser tarea de todos los sectores y sujetos que se dispongan a interrogarse inteligentemente, dispuestos a auto-transformarse crítica y dialécticamente. No se trata de “abandonarlo todo” se trata de analizarlo todo, elegir lo mejor y dar lugar a lo nuevo que late fuerte a los pies de la vida cotidiana. La Revolución Bonita no es una bandera, aunque se sirva de algunas. No es un sello ni una “marca”. No se puede construir como se diseña una “Imagen Corporativa”. La revolución Bonita es cada una de las ideas nuevas que aparecen en cada una de las cabezas que quieren un mundo mejor. La revolución bonita es la suma de esas ideas cuando se organizan. La revolución bonita es la suma de todas esas ideas en acción organizada para transformar al mundo… la revolución bonita… su belleza convulsiva más esplendida, es cada triunfo de esas ideas nuevas acrisoladas bajo la praxis del socialismo. La revolución bonita es una praxis, una lucha estética dialéctica y superadora.

La Revolución Bonita está ahí donde los campesinos miran futuro y siembran convicciones, está en el entusiasmo aleccionador que hace del Petare un laboratorio fantástico y una escuela poderosa, la Revolución Bonita esta en los profesores y los estudiantes que aprenden a leer y escribir, que levantan su bandera de libertad frente al analfabetismo y conmocionan toda la estructura educativa para que todos se “pongan las pilas” y sean mejores en las secundarias y en las universidades. La Revolución Bonita es la templanza de los obreros reviviendo sus fábricas y la hondura de su inteligencia para derrotar cualquier reflujo.
Hoy Venezuela es más hermosa por revolucionaría que por cualquier otra razón. Eso no niega la “belleza” que hubo antes, sólo que hoy es tan distinta y tan de todos que uno tiende a eclipsarse legitimante subyugado bajo la hermosura de las cuentas claras, del petróleo sembrado, de las escuelas ganadas, de los enfermos atendidos y curados, del hambre desterrada, de la ternura disciplinada, del tun tun de las caderas con sus imanes caribeños movilizando acuerdos, alianzas… amores solidarios por todas partes. Eso ha sido posible en Venezuela, su Revolución Bonita lo ha hecho posible y eso es maravilloso, aunque falte tanto por hacer.

No hay marcha atrás. La Revolución Bonita está en los consensos nuevos, en las elecciones ganadas en los debates abiertos, en las tareas asumidas y en todo lo que esta pendiente, incompleto, indefinido y corrupto. Falta mucho. La Revolución Bonita está también el sudor del ejército de reservistas, en los médicos y en los voluntarios, es todos esos que traen ganas de poner el pellejo para defender el corazón. La estética de la Revolución es una tarea urgente y por eso es una tarea que tomará tiempo, que involucrará a muchas generaciones, que avanzará por aproximaciones sucesivas, de manera desigual y combinada, con ascensos y retrocesos… como debe ser pues. “No se puede madurar una manzana con un soplete⁵”.

Habrá de producirse una Belleza nueva capaz de transformar la vida... cambiar al mundo. Y para eso hay que apurar una Estética militante de la libertad e investigadora fantástica de la Belleza Revolucionaria, magnética, que encienda todas las usinas amorosas en la resolución de los problemas en la vida práctica, que ayude a liberar a la humanidad de todo aquello que la aprisiona en los límites de sus necesidades más elementales. Belleza capaz de iluminar con sus fulgores las zonas más intrincadas del la vida, de los universos interiores y exteriores. Y hace falta una Estética Revolucionaria para la reclasificación programada y espontánea de las cosas según un orden más profundo y más preciso e imposible de dilucidar mediante la razón de la miseria.

Ya hemos visto que a la Belleza se la usa como Caballo de Troya. En las escuelas, los espectáculos, los círculos intelectuales y científicos… para desembarcar ejércitos ideológicos y doctrinas domesticadoras que “elevan” al espíritu de los pueblos y lo alejan de esos de hábitos “ignorantes” que afean el decorado burgués. Tomemos el derecho de llevar adelante, tanto en literatura como en arte, en ciencia, en educación, en agricultura y en carpintería… la investigación de nuevos medios de para la Belleza revolucionaria. Opongámonos a cualquier tentativa de limitación del campo de observación y de acción que la humanidad aspire a crear intelectualmente para atender sus necesidades estéticas. No resignemos el lugar del arte, la ciencia… la poesía toda, a participar en la lucha emancipadora de la Belleza, permaneciendo enteramente libres, en su dominio específico. Sin que “libertad” implique indiferencia, sin que libertad suponga falta de solidaridad con la lucha obrera y campesina.

Coincidamos en que bajo las condiciones actuales de genocidio, en todas sus formas, la tarea suprema del arte, la ciencia y el pensamiento es participar conciente y activamente en la preparación y triunfo de la Revolución Bonita. Acordemos que ni científicos, ni intelectuales, ni aristas pueden servir a la lucha emancipadora a no ser que estén subjetivamente penetrados por la necesidad revolucionaria organizada, social e individual, que traduzca el sentido y drama de la revolución en sus nervios para que procure libremente dar una encarnación artística, científica etc. a su mundo interior y exterior. Coincidamos en no someternos a burocracia o secta alguna. En no aceptar la Belleza por etapas o en un solo país.

Todo está aún por hacerse, por avanzado que vaya, lo estará siempre. No hay obra acabada. La Revolución Bonita está en pie de guerra, de cabo a rabo, con el cielo lleno de estrellas que soplan sobre nuestros pechos. Uno lo ve lo siente en las artes como en los deportes. Uno lo ve de lejos y de cerca, en los barrios y en los estados. Uno lo saborea y lo huele. Algo está cambiando en los juicios y en los perjuicios, en las dudas y en las deudas… como era de esperarse, sin desesperarse. Con sus medios propios, sin mordazas en poco tiempo avances grandes. Eso es maravilloso y concreto. ¿Quién los sigue? ¿Quién lo iguala? ¿Quién más le entra? A estas alturas la Revolución Bonita tiene el entusiasmo intacto. Vivitos y coleando. Sólo lo maravilloso es bello.

¹“La revolución bonita” le llama Chávez a la de Venezuela, Ernesto Cardenal. Ver aquí
²“ La Belleza será convulsiva o será nada” André Breton.
³ Ver aquí Una revolución cultural contra la mentalidad burocrática y corrupta. Guerra a la Burocracia. Los nervios esclerotizados del gobierno.
⁴Término procedente del griego “maieutiké techné”, (el arte de la comadrona), que fue utilizado por Platón para referirse a la segunda fase del método de investigación de Sócrates, comparando el arte de las comadronas con esta fase del método socrático, con la que pretendía ayudar a dar a luz a la verdad. (El método socrático era un método práctico basado en el diálogo, que constaba de dos fases: la ironía y la mayéutica , y con el que, a través del razonamiento inductivo, se podría esperar alcanzar la definición universal de los términos objeto de investigación). Con la ironía Sócrates pretendía hacer ver a su interlocutor su ignorancia, condición para poder investigar algo. Con la mayéutica, buscar una definición cada vez más universal del objeto de investigación, es decir, dar a luz a la verdad.
⁵Frase de Adolfo Colombres. Autor de “Cine, antropología y colonialismo” Ediciones del Sol-FLACSO, Buenos Aires.

Fernando Buen Abad Domínguez / www.rebelion.org

Con Motivo de la Muerte de Débora Arango

2005-12-22T00:50:00.000-05:00

Débora Arango fue una gran mujer, que se adelantó a su época y utilizó el arte para llevar mensajes claros, para criticar todos los tabúes e injusticias de la sociedad, enfrentándose a la censura, soportando que la señalaran y que la excomulgaran en una sociedad moralista y filistea. Fue la primera mujer que se atrevió a pintar un desnudo.

En su obra encontramos de todo: criticó la opresión a que son sometidas las prostitutas por parte de la policía en su cuadro "Justicia", criticó la politiquería en su cuadro "El congreso", condenó la masacre de las bananeras, plasmando en el lienzo los vagones llenos de obreros asesinados que el gobierno de Abadía Méndez quería esconder, fustigó la dictadura de Rojas Pinilla y pintó a Laureano Gómez como un horrendo sapo, sólo para mencionar algunos de sus cuadros. Fue llamada populista, los museos le cerraron sus puertas. Siempre soñó con hacer un mural en su país, le ofrecieron los muros de México, pero ella se negó porque su sueño era pintarlo en Colombia, para su gente y se fue a la tumba con ese sueño. Finalmente en sus últimos años la burguesía se vio obligada a reconocer el mérito de su trabajo en un homenaje.

Esta gran pintora es un ejemplo para todos aquellos que deseen seguir por la senda del arte, porque demostró que, como decía ella, “el arte debe sentir serenamente, tocar el dolor” y por tanto, no puede ser imparcial o apolítico; por eso, cuando le preguntaban si le gustaban los paisajes, respondía que eran bonitos pero a ella sólo le importaba la gente.

Débora murió a los 98 años, poco después de ser condecorada por el tiranuelo Uribe de quien se declaró admiradora; algo que no debe extrañar, ni le quita mérito a su trabajo pues la pintora no sólo estaba ya en su edad senil (siéndole muy difícil advertir que Uribe no se diferencia mayormente del asesino Laureano Gómez), sino que además conservaba el regionalismo burgués paisa (algo que compartía con el jefe paramilitar) a lo cual se suma que no tuvo en su vida una participación política activa, lo que hace más meritorio su trabajo, ya que aparte de ser mujer en una sociedad machista, fue una artista innata del pueblo, diferente a muchos artistas con trayectoria política en la "izquierda" que no reflejan mayor cosa en sus obras.

De Débora Arango el proletariado debe rescatar su papel como una mujer valerosa y rebelde, quien se enfrentó a toda la sociedad burguesa que la condenó a vivir en el ostracismo, y lo más importante: que el arte también es una arma de combate contra el poder de la burguesía.

Quinto día de la Semana Latinoamericana del Arte Independiente en Bogotá

2005-12-20T13:55:00.000-05:00

viernes, diciembre 16, 2005

En el quinto día de la Semana Latinoamericana del Arte Independiente (SELAI), en la galería Objetual (cra 9 No. 69-27), se presentaron los documentales "Bolivia no se vende" y "Algo suena" sobre el movimiento piquetero en Argentina.

El documental sobre Bolivia, dirigido por Elisabetta Andreoli, Gabriele Muzio y Max Plugh en 2004, muestra cómo uno de los países más pobres del mundo sigue en lucha para afirmar su soberanía. La "guerra del gas" es uno de los combates ganados por el pueblo contra el robo del patrimonio nacional y cómo los cocaleros del Trópico resisten unidos contra la erradicacion forzosa del único cultivo que permite la superviviencia de miles y miles de hogares campesinos.

El documental argentino, de Rakia producciones, fue realizado en 2004, y presenta las opiniones y medios de las distintas vertientes del movimiento piquetero y su relacion con la clase media y el gobierno. Siendo éste una alternativa política contra el desempleo.

A la hora programada se inició la presentación del maestro Jairo Echeverri, donde se planteó la importancia del folclor como resistencia cultural. Presentó una breve cronología de su trabajo artístico junto al maestro Jacinto Jaramillo. Luego de su charla se dio un interesnate intercambio entre los jóvenes artistas de Selai, la compañía de danza del maestro (Mitos de Creación) y el maestro Echeverri. De este intercambio cabe rescatar la fortaleza y el empeño del maestro Echeverri cuando de presentar resistencia se trata, resistencia a todo aquello que nos aleja de nuestra identidad y nuestro sentido de pertenencia.

El Colectivo Buses Verdes aportó desde su propia experiencia en Villavicencio.

Debido a los puntos en común de esta conferencia con la presentación de la artista Johana Valencia, se optó por continuar con la mesa de intercambio aportando desde una y otra ponencia. Concluyéndose en la importancia del artista como voz y portavoz de las circustancias sociales actuales y de todas aquellas voces silenciadas y opacadas.

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Cuarto día de la Semana Latinoamericana del Arte Independiente en Bogotá

2005-12-15T21:29:00.000-05:00

En el cuarto día de la Semana Latinoamericana del Arte Independiente (SELAI), en la galería Objetual (cra 9 No. 69-27), se presentaron los documentales "Cómo Bush ganó las elecciones (en Ecuador)" y "Bogotá, muro y palabra".

El documental sobre Ecuador, dirigido por Elisabetta Andreoli, Gabriele Muzio y Max Plugh en 2003, muestra cómo la derecha utilizó a las organizaciones indígenas y populares para apalancar a Lucio Gutiérrez, un candidato favorable a los intereses norteamericanos, nefasto tanto en sus políticas económicas de corte neoliberal como en su apoyo irrestricto al imperialista Plan Colombia de intervención militar sobre la región andino-amazónica. Llama la atención la aparente "inocencia" de los líderes de la organización indígena Pachakutik vinculados al gobierno.

El documental sobre Bogotá, de María Isabel Garcés, fue realizado en 2005, y presenta la escena del hip hop a través de sus protagonistas. Se evidencia la visión de algunos raperos que consideran fundamental en su expresión artística el contenido social de sus temas y propuestas, frente a intereses comerciales o institucionales que pretenden usufructar esta cultura urbana.

La asistencia a las actividades del jueves fue mínima, debido a las intensas lluvias y a la coincidencia con varias actividades culturales programadas en diferentes sitios de la ciudad, de manera que no se realizaron las conferencias programadas. Sin embargo, los artistas presentes iniciaron el balance y discusión acerca del desarrollo de la semana y se ventilaron varias iniciativas sobre la actividad para el año 2006.

Le informamos a la comunidad interesada en obtener videos, imágenes, obra y textos de las muestras y exposiciones realizadas en SELAI Colombia, que pueden dirigirse a la Galeria Objetual en el horario de 2 a 5 pm.

La exposición y demás actividades de SELAI Colombia finaliza el viernes 16 en la galería Objetual, donde se exhiben pinturas de Libardo Archila, Angélica Chavarro y Alejandro Castillo; instalaciones de Fernando Grisales, Juan de Dios Vargas y el Colectivo Buses Verdes; y robots de Mario Germán Caicedo Langer. El horario de las exposiciones es a partir de las 2 pm, con proyección de videos a partir de las 3:30 pm y conferencias desde las 5 pm. El fin de semana, SELAI Colombia se trasladará a los barrios Yomasa (Usme) y Nuevo Chile (Bosa).

Programación:

Viernes 16
Arte y sociedad
Colectivo Buses Verdes (Ómar Gómez Reina)
International Peace Observatory (Antonella Signarale)
El folclor como resistencia cultural (Jairo Echeverri)
Arte y resistencia (Johana Valencia)
Cuerpo, arte y pensamiento (Fernando Pertuz)
Arte y pornografía (Fernando Grisales)

Sábado 17
Jornada en la calle, Yomasa (Usme)
Muestra de videos de los países participantes
Muestra de artes plásticas
Performancia (Colectivo Buses Verdes)
Arte callejero

Domingo 18
Jornada en la calle, Nuevo Chile (Bosa)
Muestra de videos de los países participantes
Muestra de artes plásticas
Concierto
Performancia (Colectivo Buses Verdes)

Clausura
Relatoría
Propuestas para la siguiente Semana Latinoamericana del Arte Independiente

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Tercer día de la Semana Latinoamericana del Arte Independiente en Bogotá

2005-12-14T23:20:00.000-05:00

En el tercer día de la Semana Latinoamericana del Arte Independiente (SELAI), en la galería Objetual (cra 9 No. 69-27), se dio voz al maestro Carlos Andrés Gutiérrez, quien nos presentó su trabajo con arte-terapia, un recorrido por su trabajo en esta disciplina y los planteamientos teóricos que alrededor de ella se tejen.

Se recibieron aportes en lo teórico y práctico de parte del Colectivo Buses Verdes y de la maestra en artes plásticas Johana Valencia, así como de los participantes, psicólogos y terapeutas interesados en el tema.

Posteriormente el maestro Jaime Barragán presentó el trabajo performancístico del mexicano Guillermo Gómez Peña, y diversas experiencias adelantadas en ciudad de México por estudiantes del seminario en Proyectos y Medios Múltiples de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México que dirige el maestro José Miguel González Casanova, en el cual participó el mismo Barragán como parte de un intercambio académico.

Barragán hizo una breve alusión a su trabajo realizado en esta misma disciplina en la localidad de Usme, a lo largo de su carrera vinculada desde sus empíricos inicios al trabajo comunitario. Esta experiencia será expuesta por él y otros integrantes del Centro de Expresión Cultural en la sesión del jueves, cuando también se presentarán el Colectivo Buses Verdes y Johana Valencia, quienes aplazaron sus respectivas charlas de hoy debido a que las dos primeras presentaciones suscitaron un prolongado intercambio de experiencias y propuestas.

Le informamos a la comunidad interesada en obtener videos, imágenes, obra y textos de las muestras y exposiciones realizadas en SELAI Colombia, que pueden dirigirse a la Galeria Objetual en el horario de 2 a 5 pm.

La exposición y demás actividades de SELAI Colombia continúan el jueves 15 y el viernes 16 en la galería Objetual, donde se exhiben pinturas de Libardo Archila, Angélica Chavarro y Alejandro Castillo; instalaciones de Fernando Grisales, Juan de Dios Vargas y el Colectivo Buses Verdes; y robots de Mario Germán Caicedo Langer. El horario de las exposiciones es a partir de las 2 pm, con proyección de videos a partir de las 3:30 pm y conferencias desde las 5 pm. El fin de semana, SELAI Colombia se trasladará a los barrios Yomasa (Usme) y Nuevo Chile (Bosa).

Programación:

Jueves 15
Arte y pedagogía
Arte y resistencia (Johana Valencia)
Centro Expresión Cultural (Usme)
Muestra de videos Usme
Cultura y jóvenes del Nuevo Chile (Alex Trujillo)
Colectivo Buses Verdes (Ómar Gómez Reina)
Taller (María Elena Ronderos)

Viernes 16
Arte y sociedad
International Peace Observatory (Antonella Signarale)
Cuerpo, arte y pensamiento (Fernando Pertuz)
Arte y pornografía (Fernando Grisales)
Arte alternativo (video)
El folclor como resistencia cultural (Jairo Echeverri)

Sábado 17
Jornada en la calle, Yomasa (Usme)
Muestra de videos de los países participantes
Muestra de artes plásticas
Concierto
Performancia (Colectivo Buses Verdes)
Arte callejero (hip hop)

Domingo 18
Jornada en la calle, Nuevo Chile (Bosa)
Muestra de videos de los países participantes
Muestra de artes plásticas
Concierto
Performancia (Colectivo Buses Verdes)
Arte callejero (hip hop)

Clausura
Relatoría
Propuestas para la siguiente Semana Latinoamericana del Arte Independiente

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Enlaces relacionados:
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Segundo día de la Semana Latinoamericana del Arte Independiente en Bogotá

2005-12-13T23:26:00.000-05:00

En el segundo día de la Semana Latinoamericana del Arte Independiente (SELAI), en la galería Objetual (cra 9 No. 69-27), el profesor Alberto Bejarano platicó con los asistentes a su conferencia sobre la micropolítica en la lucha contra el biopoder.

En palabras de Bejarano, "se piensa en lo local y en la vida cotidiana, no como contraposición de la vida política en el sentido más amplio del término, sino que se lucha en lo micro, porque es allí donde más se reproducen las formas fascistas del capitalismo (que no es otra cosa que la deformación del deseo, expresado en la sed de consumo y en el culto a los medios de comunicación de masas)".

Los asistentes relacionaron estos planteamientos con la situación concreta de Colombia, haciendo referencia particular a la rica historia de los movimientos cívicos y populares. Se llamó la atención sobre la relación entre la micro- y macropolítica, que aparentemente ha sido mejor entendida por la extrema derecha, que ha elegido como blanco de su guerra sucia a lo largo de la historia a los líderes locales cuya función es vital en la transmisión de las reivindicaciones de la base ante los poderes regionales y nacionales.

Queda para la reflexión el papel de la estética en la micropolítica, tema sobre el cual se ahondará en los próximos días cuando se aborden las experiencias locales de varios artistas y colectivos.

La presentación del International Peace Observatory fue aplazada, pues los integrantes de ese colectivo internacional de acompañamiento a comunidades populares se encuentran en Tame (Arauca) y no pudieron regresar a Bogotá a tiempo para su conferencia.

La exposición y demás actividades de SELAI Colombia continúan entre el miércoles 14 y el viernes 16 en la galería Objetual, donde se exhiben pinturas de Libardo Archila, Angélica Chavarro y Alejandro Castillo; instalaciones de Fernando Grisales, Juan de Dios Vargas y el Colectivo Buses Verdes; y robots de Mario Germán Caicedo Langer. El horario de las exposiciones es a partir de las 2 pm, con proyección de videos a partir de las 3:30 pm y conferencias desde las 5 pm. El fin de semana, SELAI Colombia se trasladará a los barrios Yomasa (Usme) y Nuevo Chile (Bosa).

Programación:

Miércoles 14
Arte y pedagogía
Colectivo Buses Verdes (Ómar Gómez Reina)
Los situacionistas (Jaime Barragán)
Arte Terapia (Andrés Gutiérrez)
Arte y resistencia (Johana Valencia)
Muestra de videos (Jaime Barragán)
Muestra de video México

Jueves 15
Arte y pedagogía
Centro Expresión Cultural (Usme)
Muestra de videos Usme
Cultura y jóvenes del Nuevo Chile (Alex Trujillo)
International Peace Observatory (Antonella Signarale)
Taller (María Elena Ronderos)

Viernes 16
Arte y sociedad
Cuerpo, arte y pensamiento (Fernando Pertuz)
Arte y pornografía (Fernando Grisales)
Arte alternativo (video)
El folclor como resistencia cultural (Jairo Echeverri)

Sábado 17
Jornada en la calle, Yomasa (Usme)
Muestra de videos de los países participantes
Muestra de artes plásticas
Concierto
Performancia (Colectivo Buses Verdes)
Arte callejero (hip hop)

Domingo 18
Jornada en la calle, Nuevo Chile (Bosa)
Muestra de videos de los países participantes
Muestra de artes plásticas
Concierto
Performancia (Colectivo Buses Verdes)
Arte callejero (hip hop)

Clausura
Relatoría
Propuestas para la siguiente Semana Latinoamericana del Arte Independiente

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Imagen SELAI 2005 - diseño de Paola Angarita

2005-12-13T22:11:00.000-05:00

Primer día de la Semana Latinoamericana del Arte Independiente en Bogotá

2005-12-12T21:51:00.000-05:00

Primer día de la Semana Latinoamericana del Arte Independiente en Bogotá

Hoy se dio inicio en Bogotá a la Semana Latinoamericana del Arte Independiente (SELAI). Durante la inauguración, en la galería Objetual (cra 9 No. 69-27), la artista Johana Valencia, curadora de la exposición, explicó a los asistentes el sentido de la segunda SELAI, que por primera vez tiene entre sus sedes a Colombia.

Las personas que acudieron a la inauguración apreciaron las pinturas de Libardo Archila, Angélica Chavarro y Alejandro Castillo; las instalaciones de Fernando Grisales, Juan de Dios Vargas y del Colectivo Buses Verdes; los robots de Mario Germán Caicedo Langer; y presenciaron la presentación del grupo de danzas folclóricas Mitos de Creación.

La exposición y demás actividades de SELAI Colombia se llevarán a cabo del martes 13 al viernes 16 en la galería Objetual. El horario de las exposiciones es a partir de las 12 del día, los videos se proyectan a partir de las 3 pm y las conferencias desde las 4 pm. El fin de semana, SELAI Colombia se trasladará a los barrios Yomasa (Usme) y Nuevo Chile (Bosa).

Programación:

Martes 13
Experiencias independientes
Muestra de videos Colombia (Nicolas Udu-gama de International Peace Observatory, Carlos Peña)
Muestra de videos Venezuela
Micropolítica en la lucha contra el biopoder (Alberto Bejarano)

Miércoles 14
Arte y pedagogía
Colectivo Buses Verdes (Ómar Gómez Reina)
Los situacionistas (Jaime Barragán)
Arte Terapia (Andrés Gutiérrez)
Muestra de videos (Jaime Barragán)
Muestra de video México

Jueves 15
Arte y pedagogía
Centro Expresión Cultural (Usme)
Muestra de videos Usme
Cultura y jóvenes del Nuevo Chile (Alex Trujillo)
Taller (María Elena Ronderos)

Viernes 16
Arte y sociedad
Cuerpo, arte y pensamiento (Fernando Pertuz)
Arte y pornografía (Fernando Grisales)
Arte alternativo (video)
El folclor como resistencia cultural (Jairo Echeverri)

Sábado 17
Jornada en la calle, Yomasa (Usme)
Muestra de videos de los países participantes
Muestra de artes plásticas
Concierto
Performancia (Colectivo Buses Verdes)
Arte callejero (hip hop)

Domingo 18
Jornada en la calle, Nuevo Chile (Bosa)
Muestra de videos de los países participantes
Muestra de artes plásticas
Concierto
Performancia (Colectivo Buses Verdes)
Arte callejero (hip hop)

Clausura
Relatoría
Propuestas para la siguiente Semana Latinoamericana del Arte Independiente

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El rol del arte en un proceso revolucionario

2005-12-11T12:06:00.000-05:00

El rol del arte en un proceso revolucionario

por Gustavo Muñoz Matiz
Berlín, Alemania, diciembre de 2005

En este conversatorio, quiero agradecerles por permitirme hacer lo que hay que hacer en mi condición de artista en el exilio, pues la tarea del artista aquí o allá es la de vivir en consecuencia con lo que se piensa y ama. Es por esa razón que el arte traspasa el tiempo y las fronteras.

Hay inquietud por el rol del arte en un proceso revolucionario, por tanto puedo hablar de un proceso muchas veces clandestino, que nace de la experiencia del Colectivo de Artistas Antiimperialistas, es decir, de la experiencia social del arte popular y resistente como el de muchos pueblos amerindios, donde es práctica real y cotidiana, con crítica, admiración, mensaje y liberación de los colores que inflaman las banderas que los obreros llevan a la revuelta.

Allí, el arte no es locura, ni introspectivo, ni individualista. No incluye barreras, sino que se define en un primer momento como la expresión final de una obra producida en relación dialéctica entre la habilidad y el dominio técnico expresivo, de acuerdo con la búsqueda universal de la maestría artística.

En un segundo momento, la fuente inspiradora de la obra, que llamamos “creación”, parte de otra doble relación dialéctica, que se da entre lo que vivo y lo que pienso, y luego entre lo que pienso y lo que hago. Ahora, si lo que vivimos en la cotidiana y cruda realidad que nos rodea es la opresión y la relacionamos con lo que somos como artistas, tendremos una creación casi siempre dolorosa, de la cual surge la imaginación creadora, natural en las vasijas de barro indígenas, generosa en los tejidos artesanos, soñadora en los textos literarios y poemas, erótica en las esculturas y pinturas, pedagógica en el teatro de la calle, crítica en todas las comedias, potente en la pantalla de cine, pero siempre, siempre, subversiva, porque en Colombia crear es un acto subversivo.

Podemos preguntarnos: ¿Qué creación artística surge cuando la relación dialéctica se da entre un ambiente de aplastamiento permanente y la habilidad de un artista oprimido y hambriento?

Será preguntarnos por la relación dialéctica que surge cuando se crece viendo morir a sus viejos en las mazmorras y a los niños fusilados por quienes, se supone, tienen la misión oficial de protegerles.

¿Cuál expresión simbólica surge de la relación dialéctica entre los pueblos ancestrales en la selva, bombardeados por modernos aviones artillados, y lo que piensa un artista que ya no cree en más poder que el de sus brazos?

¿Qué obra artística puede surgir de la relación dialéctica entre los tres millones de desplazados de sus tierras y lo que saben los artesanos y estudiantes?

Doy testimonio que la expresión final. Se traduce en obras muchas veces producidas a la orilla del camino sobre alguna hojalata metálica oxidada de tantas que cubren los “cambuches” miserables, o en algún “graffiti” como grito pegado en la muralla; contemplamos obras pintadas en sábanas de retazos izadas por bandera en los barrios de invasión, o en instalaciones de barro modeladas con sangre en las veredas donde ocurrieron las masacres, incluso en la interioridad clandestina del salón universitario antes de la hora en que pasan los “paramilitares”. Esas obras resultan inverosímiles y maravillosas, primero por surgir de donde se cree que no puede salir nada bueno, y segundo porque cada obra está lejos de la resignación. No hay nada que se parezca al suicidio cotidiano. La expresión artística surgida es todo un parto de una obra a la vida que se convierte en resistencia a la guerra. Se opone a la pacificación que nos silencia, se niega a ser muda convidada a mirar la fosa común de las víctimas. Arte en resistencia es medio masivo que repara nuestros sueños, es voz de la utopía que sana, voz de pueblo empobrecido. Arte en resistencia es no aguantar más el aplastamiento, el desarraigo y la miseria.

Decimos que es una obra viva, porque permanece en los sentidos del público, llama a la liberación de los oprimidos, jalona a los indecisos, promociona a los revolucionarios, levanta a los arrodillados, anima a los desesperanzados, invita a los sumisos, denuncia dónde se encuentra el pecado social, desenmascara al genocida y conduce alevosa a la superación colectiva de los descalzos.

El arte se hace resistencia en los muros, las esquinas, en los ritmos melancólicos de las piedras en los ríos, se transforma en comunicación alternativa, en canto malicioso o rima campesina en las noches de fatiga de quienes marchan atravesando las montañas, en ronda picaresca en las escuelas infantiles. En fin, es una permanente expresión que rompe con el llanto cotidiano de las viudas y se manifiesta poderosamente cuestionadora y de nuevo subversiva. Sólo quien resiste halla la alegría de gozar con las cosas más sencillas, porque sabe que algo está haciendo. Pensamos que si no fuéramos así, si no hubiésemos desarrollado esa capacidad de la sonrisa, si no hubiéramos cultivado nuestros sueños, pues expresar la risa en medio de la desgracia es resistir y nos permite burlarnos incluso de la muerte, así entonces jamás el imperio podrá instalar el infierno para siempre.

Vale recordar las palabras del comandante Fidel: “Si el arte no es revolucionario, pasará a ser tan solo un objeto de vitrina para satisfacer los ocios parasitarios dominantes”.

Algunos intelectuales han considerado a este tipo de expresión como la instrumentalización del arte para la causa, otros lo califican como arte politizado, y los más sutiles dicen que es arte social, comprometido. Todos estos adjetivos carecen de sentido, pues ninguna obra es inocente, no puede serlo, si estamos de acuerdo en que la obra es producto de esa doble relación dialéctica entre lo que rodea al artista y lo que él piensa, es decir entre lo que sabe y lo que hace.

El arte es arte, mas el sensibilizado es el trabajador de la cultura, el comprometido es el artista, quien está politizado es el ser humano, de allí que no exista una obra humana inocente, ninguna obra es asexuada, ninguna obra es asocial, pues cada obra representa la expresión ideológica de aquel ser que la produjo. Y sin dudas refleja las condiciones socioeconómicas en que dicha obra ha sido producida

Una vez la obra está expuesta frente al público, entonces ella misma se ocupa de ir más lejos, hasta el otro, el diferente así: obra y público se enfrentan, se identifican, se cuestionan, se critican, se ríen y se gozan, de forma y contenido, con todos los problemas que esa nueva relación produzca. No importa si los problemas son los íntimos de la vida misma con seres de carne y hueso, desde lo instintivo hasta lo sublime; sólo cambia la perspectiva social, sea desde el punto de vista de los privilegiados que disfrutan colmados su riqueza desde cuna o desde el punto de vista de los desheredados de la tierra, sin agua ni luz, sin educación ni salud, ni techo ni camisa. El arte carece de sentido humano si sólo se invita a los pueblos como a un público de piedras, quienes tendrán como única misión aplaudir las vanidades para privilegio narcisista de los dioses.

Los Colectivos de Artistas y Artesanos Antiimperialistas son como la mazorca de maíz con múltiples granos nacidos de la tierra, creciendo desde abajo, insertos en una sociedad socioeconómica e histórica. Con las imágenes del subrealismo mágico nos vemos separados abismalmente de las abundancias de la élite, entre quienes tienen y no tienen. Los artistas (trabajadores del arte) estamos nutridos con todo lo biodiverso que vivimos por las calles y montañas, con toda la fiesta que llega a nuestra piel en abundancia para resignificar con vida nuestro estado permanente de pre-muerte, con todo lo que llega a los sentidos, sean aromas lujuriantes de la selvas o los olores nauseabundos de los mutilados que se encuentran insepultos sirviendo de escarmiento a quienes se atrevan a la crítica.

Son ya 500 años que los pueblos camuflan la memoria para que no sea exterminada, pero el pueblo recupera y estamos comprendiendo que la libertad sólo es posible si se ejerce y se asume. Ahora tenemos horizonte de sentido. Los trabajadores del arte leemos y escuchamos historias silenciadas. En el plano personal fue como un día en ese torbellino de vientos que levanta el polvo. Comencé una noche a trabajar. Así visto en cada obra, en cada imagen, trabajo, dibujo, bosquejo con el lápiz una o diez veces y borro 20, vuelvo y dibujo, finalmente he producido una expresión confusa, y trabajo un poco más y boceto con mayor claridad aquello que quiero expresar, para luego trabajar detalles, resaltar con luces y más trabajar con sombras, tonos y matices lo que me interesa expresar. Es este un proceso productivo, nunca el soplo inspirado y regalado por las musas del Olimpo, y es como participo sin lugar a dudas del fuego de la re-creación. Por eso debo en conciencia identificarme como un trabajador del arte y la cultura, como un cultor, no como un superdotado.

En un contexto social, donde clandestina es una mariposa y subversivo es un picaflor, donde un cuarto de perfil significa diferente si está orientado al este o al oeste, donde los colores ya no son cálidos y fríos sino de derechas o de izquierdas, fue como con toda intencionalidad opté libremente por la caricatura militante, claro, sin confundir el partido con una galería de arte. Tal vez fue la evolución del proceso de organización y la pista del goce colectivo multiplicado por millones que recibieron el mensaje en una imagen, la chispa que irrumpiera incendiando una respuesta popular simbólica inmediata.

Las imágenes pasan entonces de narrar los hechos de tragedia para describir el dolor de las víctimas que no encuentran a sus parientes desaparecidos. Las ilustraciones que denuncian a los asesinos se convierten en un grito de protesta. Sí, las imágenes pasan de burlarse del genocida a la sátira de los falsos procesos judiciales, a ridiculizar a los gamonales y politiqueros y así han evolucionando, volviéndose cada vez más propositivas. Finalmente, los artistas curtidos en la clandestinidad aprendimos que para actuar responsablemente y no ser idiotas políticos había que instruirnos en todo momento y de maneras diferentes, subvertirnos a nosotros mismos y con el humor gráfico transmitimos concepciones, puntos de vista, anhelos, estados de ánimo y temores. También nos dimos cuenta de que muchas caricaturas son ilustraciones muy complejas, que levantan el coraje y nuestra capacidad de afrontamiento, las cuales muchas veces no hacen reír, ya no es la intención, no importaba, lo cierto es que la caricatura y su sarcasmo se vuelve pre-texto, de tal manera que como autores interpretamos el texto de lo que sentimos o el texto de lo que leemos socialmente y lo plasmamos tratando de que la gente se dé cuenta de que ante una serie de situaciones difíciles y de atropellos hay otras maneras de ver y de pensar, sí, otra manera diferente a la avasallante desinformación de la gran prensa.

Al realizar una obra sobre un contexto social, no puedo negarlo, se refleja el particular y militante prisma con que vemos el asunto. Eso no nos hace especiales, sí diferentes pero no especiales. Todos los artistas tienen una manera de resolver un tema, sea desde la plástica, la técnica, la lúdica, la onírica, la erótica o la estética, la diferencia fundamental estriba en si la obra final refleja o no los deseos de nuestra colectividad antiimperialista, si es la expresión de nuestras más sentidas preocupaciones y elevadas aspiraciones y visiones de sociedad, dado entonces que la obra, por ser un producto sintético de múltiples abstracciones y afectos, termina siendo diferente, porque a distintos fenómenos respondemos cultural y políticamente con distintos símbolos.

Por ello, me encuentro en el exilio, porque mis símbolos son políticos, pues reflejan el anhelo de una sociedad diferente donde quepamos todos, lo cual es un delito en un sistema de muerte donde sólo tienen cabida los poderosos industriales, los grandes terratenientes, las multinacionales, los nobles y los ricos. Al punto de que el 0,7% de la población tiene en propiedad el 78% de la tierra, mientras 36 millones de habitantes se baten debajo de la franja de pobreza extrema.

Pinto en consecuencia con mi pensamiento político, igual que otros cantan, danzan, escriben y actúan. Mis obras no ocultan ni niegan las clases sociales, pues son un reflejo de la sociedad imperialista que siento. Independientemente de si es una ilustración para un periódico o una tela al óleo, lo que me interesa es la riqueza visual que dice y significa un todo y que para explicarlo necesitaremos muchas palabras, incluso algunos debates.

Hay personas que pasan por encima de la realidad y no tienen otra postura más que la de embellecer las mansiones de los poderosos, con ello no se niega que sean artistas, pero sí se aclara cuál es su opción política.

Cuando surge un artista con una crítica verdadera, uno que quiere sacudirse de tanta suciedad, un artista que pretende volver sus ojos aplastados para leer la sociedad que lo corrompe, entonces siente cómo todo el peso del sistema está dado para colgársele e impedir que se levante. La sociedad está hecha para negarle el espacio a esa nueva expresión que se rebela y se atreve a destapar el olor podrido de la banca, las editoriales no le publican, las galerías de arte se le cierran, los críticos se silencian, el artista rebelde no existe si no tiene espacio su palabra, sus colores se tornan subversivos, ahora es considerado antisocial. Como tal funciona la maquina del espectáculo, donde sólo tiene cabida lo que produce beneficio. Pero en Colombia, además, le revientan los dientes por gritar tanta injusticia, acusado ahora de comunista peligroso, conocerá qué tan fácil es excluir y desaparecer la oposición, con la simple frase sospecha de terrorismo. Tal vez ya son terroristas sus pinceles y sus obras “armas de concientización masiva”.

Los artistas que resisten llegan rápido a otra realidad donde hay mucha masa y mucho picante. Cuando ese ser humano sensible al que llamamos artista rebelde ha comprendido la lógica del sistema, entonces luchará con todas sus fuerzas contra la fatalidad, para que cualquiera sea su medio de expresión y lucha, logre animar a los vivos que tienen dormida su conciencia.

En el colectivo comprendimos que cada artista, para resistir a las múltiples violencias desde la fragilidad de su taller, debe poder descubrir que hay que desenmascarar la gran mentira ideológica arraigada, la que dice que el empobrecimiento, la miseria, la opresión y el salvajismo de la guerra son producto del designio de los dioses, ocultando que son el fruto de políticas trazadas por seres humanos como usted y como yo. Luego la tarea es tener el coraje de reconocer que eso no se puede tolerar.

En estos momentos en que asistimos a la globalización del mercado de capitales, pero no de la solidaridad, hemos comprendido el enorme valor del arte en resistencia en los medios de comunicación alternativos, afirmando la verdad que surge del dolor de los que sufren, en el cine que fue un verdadero difusor de pensamiento antes de que fuera cooptado por las multinacionales del espectáculo, el afiche de resistencia ante el indulto, la palabra literaria en prosa o verso, en los contadores de historias que denuncian como estandarte ético la dignidad de los de abajo, en la danza con la verdad enunciada de los pisoteados y excluidos. Los dibujos, los colores, las imágenes en internet desde la casa, pues deconstruyen el camino de la impunidad; las palabras graffiti que afirman el anuncio de la ternura y resplandor de la sangre derramada ante la máquina de guerra, que despierta a los indiferentes para buscar el camino de justicia y castigo al asesino. Los cuentos para niños en la radio, los cantos populares en un disco, son susurros que se vuelven grito. Las esculturas son texto que cuando pasamos nos recuerda las leyes de perdones y olvidos oficiales. Arte en resistencia es también video-fotografía para imprimir indeleble un hecho que nunca debió pasar y que debe ser mostrado para que las nuevas generaciones conserven la memoria y la barbarie nunca más sea posible.

Los obreros y paisanos me permitieron descubrir que la caricatura es poderosamente educativa, el arte se transforma en una eficaz e invaluable arma de lucha ideológica, porque llega rápidamente, es inmediata, compite subvirtiendo los medios masivos de alienación de las juventudes que ahora poco leen. Sea impresa, en un panfleto volante, en un libro, en un afiche, en el periódico, todas las personas que la ven se impactan de inmediato. Advierto que muchas caricaturas por la prensa censuradas tuvieron mayor impacto en el internet alternativo y fueron difundidas desde las casas de familia y multiplicadas por miles. Supe que esas imágenes se hicieron entonces experiencia corporal, pronunciamiento simbólico y social, se volvieron sinónimos de resistencia. Sí, con una caricatura se puede jalonar a la acción, influir en el comportamiento y puede propiciar cambios al igual que un buen libro, o un buen discurso.

Ahora bien, pretendiendo silenciarme, la “democracia” genocida de Colombia me envió al destierro. Paradójicamente encontré una mayor y lógica libertad de expresión; tengo que decir como en la trova de María Elena Walsh: “tantas veces me mataron, tantas veces me morí, sin embargo estoy aquí resucitando”. Puedo confirmar que ahora en unión de las organizaciones progresistas y revolucionarias, mejoro como artista mi posición para el combate ideológico y tengo mayor alcance e influencia social, en consecuencia mi misión como trabajador de la cultura es la de abrir muchas más ventanas para denunciar al estado terrorista que se ha camuflado con su estrategia paramilitar.

Respondo ahora una pregunta que me hicieron al llegar: “¿incitaría usted a la violencia?”.

Históricamente se ha demostrado que la primera violencia es siempre la estructural. Hablo de aquella violencia que hace creer que unos pocos nacieron con espuelas y todos los demás con la silla a las espaldas para ser montados y azotados como bestias, esa violencia de los sistemas de explotación que aplastan y asesinan a millones de seres como si fuera el orden natural de las cosas, hablo de la violencia contra los cada vez más empobrecidos, condenados a sembrar lo que nunca han de comer, a los deambulantes de las esquinas de los semáforos en las noches de frío, la violencia que se ejerce contra los que no tienen tarjeta de crédito, la misma que va contra las minorías segregando culturas y etnias, la violencia del jugoso y privilegiado mercado de capitales que siempre ajusta un ejército de desempleados a fin de aplastar a los trabajadores, la violencia de género en condiciones de guerra, donde las mujeres han sido triplemente violentadas, la violencia del terrorismo de estado que implanta un nuevo modelo económico sobre los campos sembrados de cadáveres de los enamorados que se negaron a partir de sus territorios ancestrales, siguiendo la política trazada por los EU que declaró al “campesino primitivo” como el principal obstáculo al mercado neoliberal. Es decir, la misma violencia que a través de mercenarios y contratistas de la guerra entrega nuestros suelos y riquezas al usufructo de las multinacionales y el imperio.

Esa violencia que las mismas “gentes de bien” contemplan con total indiferencia y silencio cómplice con las élites de asesinos, pues son los poderosos comerciantes de la mal llamada “sociedad civil” quienes contratan los escuadrones de la muerte, ya no se inmutan ni fastidian con las salpicaduras de la sangre, ya no les importan los miles de miles de indígenas, negritudes, campesinos, sindicalistas y dirigentes sociales muertos por resistir a la indignidad y el vasallaje.

Pero debo recordar también que la violencia llega a ser un derecho de los pueblos para defender la vida. ¡Ah! Pero sólo en este momento las gentes de bien tuercen con cinismo su discurso, pues condena y sataniza toda violencia “primitiva” que venga desde abajo, rasgando sus vestiduras claman al cielo para que cese el motín, la protesta y la insurgencia que se levanta con toda el hambre histórica.

Nuestro llamado en tanto que artistas jamás será hacerle el juego a la anticultura de la barbarie y menos rendirle culto al señorío de la muerte. Para los Colectivos de Artistas Antiimperialistas, resistir es una opción de vida, no es un oficio, y la pobreza no es una bendición.

Me identifico en lo que creo y pienso, soy un enamorado de los que sobran en la mesa del banquete, y como artista en resistencia, no soy neutral para nada en esta guerra. Mi opción esta del lado de los desechables del sistema y no saben nada del mercado de valores ni la bolsa. Grito y reclamo a la humanidad entera para que siquiera uno más se sume a nuestra brega, tan solo uno más se comprometa solidario con la lucha de los pueblos sometidos, pinto con todos los colores en contra de la paz sin dignidad ni memoria, sin derecho a la palabra de los pueblos bloqueados, esa es la paz de los cementerios democráticos de los sin tierra.

Incitamos en nombre de la vida, para tender un puente sobre el enorme precipicio que existe entre la superproducción y los empobrecidos, pensamos que son urgentes mayores y coordinadas tareas de las organizaciones revolucionarias y movimientos sociales para que en unidad, todos nosotros militantes multidiversos, pluriculturales y policromados, nos sumemos a la única guerra posible, la que tendremos que librar contra el hambre jamás contra los hambrientos. Guerra a la pobreza, nunca contra los empobrecidos sin chequeras.

¿A que se resisten los colombianos?

Para aquellos que no comprenden por qué nuestra rebeldía, debo denunciarles que toda la publicidad agenciada por el estado colombiano de una pretendida lucha contra las drogas es y sigue siendo en verdad un pretexto moralista para justificar los asesinatos selectivos, las ejecuciones extrajudiciales, las masacres, los genocidios y la guerra contra la resistencia, ocultando el más grande megaproyecto del hemisferio y la arremetida neocolonialista del imperialismo estadounidense que se apropia de las selvas vírgenes del Chocó, segunda fuente mundial de agua potable, lugar donde se traza ya el nuevo canal interoceánico.

Nos resistimos al rapazo de las selvas amazónicas y su biodiversidad genética apropiada en el proyecto genoma, resistimos al robo de nuestros recursos naturales y energéticos del subsuelo, dejando a los pueblos dependientes y miserables, resistimos al ALCA de libre comercio para EU pero de eterna esclavitud para Amerindia. Resistimos a la entrega de la patria, al vasallaje, al exterminio de las minorías, al saqueo y la miseria.

Ante el imperialismo capitalista que se harta de mostrar su carácter enfermizo y aberrante, sólo nos queda a los artistas un camino digno y es el arte en resistencia.

Hoy nos unimos al lenguaje libertario de Martí y de Bolívar con la Cuba de frente alta y la hermana Venezuela en esa resistencia que bulle, que fermenta, donde se juntan los de abajo, los que no quieren dormir con los estómagos ni la conciencia vacías, ahora llamado “populismo radical”, con la fuerza imparable de un proceso histórico social alternativo que nos exige permanente unidad y vigilancia de los principios revolucionarios y ética latinoamericana, sin los cuales ninguna lucha tendría sentido.

Nuestra utopía avanza en la confianza de que no estamos solos, y en nuestra prioritaria tarea por la imprescindible construcción de una nueva Colombia con tierra para todos y justicia social, así nos vemos aportando nuestro grano de maíz a la construcción de otro mundo y otra historia donde la vida valga la pena ser vivida.

Muchas gracias,

Gustavo Muñoz Matiz
Artista colombiano
Refugiado político

Conferencia realizada gracias al apoyo de: Voz Nueva Colombia (Alemania) www.nuevacolombia.de, Arlac (Bélgica) www.arlac.be, Colectivo de Artistas Antiimperialistas (Colombia)

La celestinah

2005-12-05T21:11:00.000-05:00

NILA PEREZ
Artistas SELAI Monterrey

El arte levantando polvareda

2005-12-05T20:18:00.000-05:00

El arte levantando polvareda
Escombros, artistas de lo que queda

Por la Redacción de Agencia de Prensa Mercosur (*)

Horacio D´Alessandro, integrante del grupo de arte argentino Escombros habla sobre el rol del artista en la sociedad. Considera a la cultura como “una herramienta de cambio”.

El grupo argentino de arte Escombros construye, desde las ruinas, la posibilidad de nuevos lazos sociales y acciones de solidaridad, que se desencadenan a partir de la ruptura con la indiferencia individualista reinante.

El grupo nace el 9 de julio de 1988. Actualmente. A pesar que cada uno de los miembro tiene su visión particular, poseen un criterio común: “las obras cuando se hacen es porque todos estamos de acuerdo, de lo contrario no la hacemos.”

El colectivo conforma su identidad en un arte conceptual, que apela a llegar a la mayor cantidad de personas, a través del trabajo interdisciplinario. En este sentido Horacio D´Alessandro, integrante de Escombros afirma que, “Llegamos a la gente a partir de que concebimos las obras con mucha claridad conceptual, alguna crítica nos ha dicho que somos demasiados explícitos y justamente creemos que es la manera de que una mayor cantidad de gente entienda, comprenda y pueda leer la obra. Si la obra es hermética, no sirve para transmitir. No significa que una cosa sea mejor que la otra, nosotros planteamos nuestra estética así, son clara y concreta”.

Al momento de discutir las iniciativas, “partimos de un proyecto con mucha fuerza visual y con apoyo del texto, creemos que eso completa el mensaje. Cuando hemos hecho convocatorias o muestras notamos que lo que está escrito aclara el mensaje conceptual, o sea la gente nos ha dicho “estoy de acuerdo con lo que ustedes dicen porque encuentran las palabras para expresarlo”. No importa si las obras son buenas o no.”

- ¿Cuál es el rol del artista en la sociedad?

El artista en la sociedad es testigo de lo que pasa. Nosotros nos valemos de distintos medios para expresar nuestra filosofía, apelamos a la fotografía, a la escultura, a la convocatoria y a los objetos de conciencia para de alguna manera marcar cosas que le van pasando al hombre y a la sociedad. En muchos casos enmarcamos problemas que tiene la sociedad Argentina, y que son parte de la humanidad; el autoritarismo del poder es el mismo en todo el mundo. En la mayoría de nuestras obras tenemos como objetivo marcar lo que el poder hace con la gente.

-¿La cultura puede ser concebida como medio de resistencia?

-Desde cada lugar se debe resistir ante el avance globalizador. Lo que sucede es que el poder ha hecho todo lo posible para dividirnos e impedir que nos agrupemos y poder resistir mejor. La cultura es lo último que puede perder un pueblo. El permanente bombardeo mediático y la colonización del imperio norteamericano hace que lentamente se vayan perdiendo los desplazamientos culturales propios. Nosotros creemos que uno puede resistir mientras sea sincero y mantenga su identidad. Porque la cultura es intrínseca al ser humano, entendiendo por cultura no lo que te informan en la escuela sino todo lo que hace a la forma de vida de cada uno.

-¿Es la cultura una herramienta de cambio?

La cultura toma distintas cosas del pasado y del presente, en la medida que esa cultura se haga fuerte y sea legitima va a ser siempre una herramienta de cambio. Eso es lo que permite ir avanzando.

-¿Considera el arte como un puente?

-El puente puede ser entre culturas. El cambio viene sólo si hay cultura y si se desarrolla. El artista esta siempre en una búsqueda de cosas nuevas eso hace que vaya cambiando todo. El poder hace todo lo posible para que no cambie, para que todo se entrecorte, de esa manera nadie levanta nada.

-¿Cómo la dualidad entre lo humano y lo inhumano se articula con el último manifiesto del “Anti-poder”?

-Porque precisamente el poder es lo que transforma las cosas en malas y buenas. Nosotros empezamos a trabajar hace mucho tiempo en 1988 ¿Cómo es posible que nosotros estemos hablando de las mismas cosas de hace quince años?.

En nuestro país los sucesivos golpes autoritarios han que hecho que la cultura no se defienda. No es posible que nosotros seamos la vanguardia si tenemos más de 60 años cada uno. Pero ¿por qué nosotros?, si no hay más gente, precisamente el poder ha impedido que las otras generaciones se expresen y se puedan desarrollar. Además en este país la cultura es el enemigo del gobierno.

El Proyecto para una minicomputadora bananera fue expuesto por primera vez entre febrero y marzo de 1976 en la muestra América Latina 76, en la fundación Joan Miró, Barcelona, España. La iniciativa se retoma en diciembre de 1990 en forma de libro. Un total de 20 dibujos en blanco y negro realizados por los integrantes del Grupo Escombros se editaron en 300 ejemplares.

Este proyecto es fiel a su consigna que la obra de arte revela lo que el poder oculta y dice lo que la sociedad calla. Se afirma que la conquista de América aún no terminó y continúa en la adquisición de tecnología, no podemos mantener, al precio de una deuda externa impagable.

“Eso se hizo ante de Escombros, cuando nosotros teníamos un grupo que se llamaba “Fabrica de ideas”. Esa fue una serie de dibujos que ahora se recrearon. Hicimos esa muestra de objetos con los dibujos que hicieron cuatro integrantes del grupo. Nos pareció que era algo que podía quedar bien y que de alguna manera era divertido porque desde el humor esta la critica hacia la tecnología que tiene el poder”.

-¿Cuál es la intención de las distintas obras?

-Nosotros queremos generar conciencia en la gente, los objetos son para eso. En uno de los manifiestos decimos que el artista es el centinela, nosotros estamos avisándole a la gente las cosas que están pasando; ver desde otro punto de vista no significa que sea la verdad, después cada uno de la obra saca sus propias conclusiones. Nosotros lo único que pretendemos es encender una lucecita.

-¿Cómo ves la repercusión de las obras de Escombros en la gente?

-Llegamos a la gente a partir de que concebimos las obras con mucha claridad conceptual, algunas críticas nos han dicho que somos demasiados explícitos y justamente creemos que es la manera de que una mayor cantidad de gente entienda, comprenda y pueda leer la obra. Si la obra es hermética no sirve para nada, no sirve para transmitir. No significa que una cosa sea mejor que la otra, nosotros planteamos nuestra estética así, son claras y muy concretas.

Nosotros intentamos que el concepto sea claro, partimos de un proyecto con mucha fuerza visual y además con apoyo del texto, creemos que eso completa el mensaje. Cuando hemos hecho convocatorias o muestras notamos que lo que está escrito aclara el mensaje conceptual, o sea la gente nos ha dicho “estoy de acuerdo con lo que ustedes dicen porque encuentran las palabras para expresarlo”. No importa si las obras son buenas o no.

Para ver imagenes de los trabajos realizados por el grupo escombros visite: http://www.grupoescombros.com.ar

(*) Entrevista realizada por Eugenia Marengo, Carmen Botella y Daniela Camezzana, alumnas del seminario curricular de grado "MERCOSUR, procesos de Integración Latinoamericana y Medios de Comunicación", de la Facultad de Periodismo y Comunicación Social de la UNLP.

LLAMADA INTERNACIONAL PARA ACTOS DE ARTE EN RESISTENCIA

2005-12-05T20:09:00.000-05:00

¡Que en 2006 la gente se levante con pintura de aerosol, las voces, el teatro de la calle, los tambores, las brochas con pintura y el resto de las herramientas de resistencia creativa para decir al mundo que no nos quedaremos callados mientras más fronteras sean construidas alrededor de nosotros!

ATENCION ARTISTAS, ACTIVISTAS
Y PERSONAS EN SOLIDARIDAD!

LLAMADA INTERNACIONAL PARA
ACTOS DE ARTE EN RESISTENCIA
A LAS FRONTERAS: 1-7 ENERO, 2006

¡Que en 2006 la gente se levante con pintura
de aerosol, las voces, el teatro de la calle, los tambores,
las brochas con pintura y el resto de las herramientas
de resistencia creativa para decir al mundo que no
nos quedaremos callados mientras más fronteras
sean construidas alrededor de nosotros!

¡DECIMOS NO A LAS FRONTERAS!
¡No a las fronteras que dividen a gente entre los estados!
¡No a las fronteras del apartheid!
¡No a los mitos de la frontera del libre comercio!
¡No a las fronteras de clase, raza y género!
¡No a las fronteras de edad, capacidad y sexualidad!
¡No a las fronteras de pertenencia étnica, nacionalidad y lengua!
¡No a las fronteras que segregan a pobres!
¡No a las fronteras creadas por guerra!
¡QUE NUESTRA ARTE PUEDA ROMPER SU ODIO!

*El primer día de la acción comenzará en la medianoche
del 1 de enero del 2006, cumpliendo 12 años de que el ALCA empobreciera mas a nuestros paises y el alzamiento en armas de nuestros companeros zapatistas en mexico.

Estudio formal y conceptual: escudo del municipio de Villavicencio - Libardo Archila

2005-12-01T14:42:00.000-05:00

Estudio formal y conceptual: escudo de la gobernación del Meta - Libardo Archila

2005-12-01T14:40:00.000-05:00

Objeto público No. 1 - Libardo Archila

2005-12-01T14:39:00.000-05:00

Estos no son CDs de jazz - Libardo Archila

2005-12-01T14:36:00.000-05:00

Confesionario

2005-12-01T14:17:00.000-05:00

Dripping paint

2005-12-01T14:13:00.000-05:00

Organicemos la Semana Latinoamericana del Arte Independiente

2005-11-17T05:28:00.000-05:00

Partiendo del pequeño pero importante primer paso dado el año pasado en las jornadas realizadas en simultáneo entre Brasil, México y Argentina en torno a lo que se dio en llamar semana latinoamericana del arte independiente (del 12 al 18 de diciembre), consideramos oportuno y necesario que esta experiencia se logre repetir pero con mucha más fuerza en este año 2005.

El arte independiente toma como guía los pasos hechos por las vanguardias artísticas latinoamericanas en su tarea de unir el arte a la vida cotidiana; en hacer un arte atento a los problemas sociales. Por eso no hablamos de vanguardias en lo que concierne pura y exclusivamente a la técnica ni, por otra parte, a la ingenua aspiración de cambiar un sistema social sirviéndonos sólo y nada más que del arte, sino que por el contrario, lo decimos en el sentido de dar un pequeño pero no menos solidario aporte a la toma de conciencia que actualmente y desde hace ya muchos años se está desarrollando en los pueblos latinoamericanos en lo que hace a la defensa activa de sus derechos y reivindicaciones.

No es nuestra intención el oponernos a ninguna escuela artística ni el ponderar a una sobre el resto. Nuestra intención es unificar esfuerzos desde diferentes miradas, pero con un mismo fin, que es el de la unidad latinoamericana.

Lo escrito aquí es apenas un esbozo de algo que deberá surgir del debate de todos aquellos interesados en formar estos primeros lazos de unidad entre artistas latinoamericanos, y entre éstos y su gente. En diferentes países de Latinoamérica se irán desarrollando, durante la semana del 12 al 18 de diciembre, actividades culturales similares con un perfil antiimperialista, alternativo, autogestivo e independiente.

Aquell@s interesad@s en participar pueden escribirnos
tartologia@hotmail.com

Para mayor información:
www.fotolog.net/iktomi http://groups.google.es/group/SELAI
www.argentina.indymedia.org

Cuál es la función social de los artistas investigadores?

2005-11-16T20:31:00.000-05:00

Por Luz del Carmen Vilches

Partiendo de la época en que los estudios sobre las artes tenían un carácter descriptivo, con aspiraciones imparciales. Estas no se originan en las necesidades reales de la práctica artística y carecen de impacto sobre el pensamiento y la materialización de la creación artística visual.

Se necesita un campo de conocimientos amplio con un enfoque multidisciplinario, con nuevas modalidades de expresiones plásticas. El conocimiento que surge de la investigación de los artistas visuales es generado en el proceso de enseñanza aprendizaje, por ello los espacios han de construirse pensando en la trascendencia de los hechos que en ellos ocurren.

La investigación de las artes visuales no es compatible con enfoques reduccionistas y mecanicistas. Esta nueva idea denominada por algunos investigadores, zona de reflexión universal, basa su metodología en la confluencia de diferentes disciplinas. La visión de avance o perfeccionamiento, no está sustentado en la acumulación, sino en el contenido de las obras. Las perspectivas de las artes visuales buscan siempre la confluencia entre la razón y los sentidos en un proceso abierto con resultados que no siempre son previsibles.

En muchos de nuestros países estas investigaciones carecen de documentos metodológicos y fuentes de financiamiento. Proponemos entonces crear alternativas para la formación de programas para la formación de investigadores de las artes visuales.

Intervención en el Panel “Función de los intelectuales y artistas en el siglo XXI” en el marco del IV Congreso Internacional Cultura y Desarrollo, 6-9 junio. Ciudad de La Habana.

Independiente y Alternativo

2005-11-16T20:21:00.000-05:00

Alternativo: (Del fr. alternatif, y este der. del lat. alternātus) adj. En actividades de cualquier género, especialmente culturales, que se contrapone a los modelos oficiales comúnmente aceptados.

¿Que es Arte alternativo? ¿Como podemos definir lo que hacemos, la obra que presentamos como alternativa?

Lo que buscamos con en esta semana no pretende responder estas preguntas, pretende congregar en torno a la necesidad de contraponerse, sobreponerse y sobre todo ponerse del lado de aquellos comúnmente no aceptados. Alternativo no es cazar ni matrimonios ni peleas partidarias, es cazar matrimonios con la desigualdad, con la necesidad de inclusión y el derecho de las gentes, es cazar peleas con todo aquello que amordaza, silencia y miente. No pretendemos con esta semana montar competencia, ni vender ideologías, ni tranquilizar conciencias, con esta semana pretendemos entablar un dialogo, conocernos y acercarnos como latinoamericanos, mirar y entender nuestras diferencias, aceptar las similitudes.

Dentro de esta semana, en la jornada Colombia, hemos considerado fundamental abrir un espacio a la educación, porque de eso también se trata el arte, no de educar un publico para que entienda, para que de sentido y significado a nuestro arte, sino de educar mas y mas gente con una mirada de necesidad del desarrollo de una visión y una conciencia estética en sus vidas, que le permita encontrar soluciones en un país, en un continente como el nuestro cargado de tanta desigualdad social.

En esta semana planteamos pequeñas experiencias, experiencia locales, de barrios, de grupos, que poco a poco y a través de los años por medio del arte han logrado demostrar que la educación artística es importante, quizás sea en muchos casos, para muchos jóvenes el único camino para llegar a pensar un futuro mejor.

El único interés que tiene esa jornada es que al final de esta semana sintamos la necesidad de pensarnos, pensarnos como artistas, pensarnos como ejemplos, como maestros, como gente y como parte de este pueblo latinoamericano, pensarnos como alternativa.

SELAI desde Argentina

2005-11-12T13:50:00.000-05:00

SELAI desde Argentina

"Si supiera lo que es el arte, no se lo diría a nadie". Pablo Picasso

Con la humildad y la modestia de no ser absolutamente nadie, nosotros, afirmamos taxativamente que estamos en contra de esta posición.

¿Por qué?

Artistas que, poco a poco, y por distintos motivos cada uno, no sólo se han alejado de la lucha de clases sino además de su rol como elementos de ruptura con todos los elementos de reproducción cultural, sino además de su papel de inquebrantables guerreros por la libertad a secas... La tan bella libertad.

El lugar en la actualidad que ocupa la cultura y la educación, lo mismo que el arte, es casi de último orden para los gobiernos de turno, para darse cuenta no hay más que fijarse los porcentajes del PBI que se le dedican y cuanto es lo que sale para abonar la deuda externa.

El panorama parece un tanto desolador y solitario para aquellos que desbordamos de rebeldías. Pero quienes han quedado en la franja de los que hacen "arte por el arte" corren con dos riesgos: el primero es que sólo su ombligo puede disfrutar de estas maravillas, y el segundo es que si avanza la recolonización y países como Argentina, entre otros, van transformándose cada vez más en una colonia del pillaje imperialista ni siquiera esos ombligos van a tener la posibilidad de disfrutarlo.

¿Qué tenemos que ver con el arte y con la cultura? Para quienes no nos conozcan, que seguramente serán la gran mayoría, somos simplemente hombres y mujeres que hacemos arte, y no sabemos si somos buenos o malos en lo que hacemos, no porque tengamos poco o nada de autoestima, más bien se debe a que no nos creemos los indicados para realizar semejante juicio. Creemos que ningún artista se autosentenciaría, pues el único con derecho legítimo para hacer esto es nada más y nada menos que el público, los espectadores, los oyentes, los lectores, aquellos con la capacidad de sensibilizarse ante lo estéticamente bello.

Pero como si fuera un trozo de costa que se quiebra y se independiza del resto, el artista, el creador, se ve alejado, se ve aislado de la masa, del resto, de los que están con los pies sobre la tierra.

Hace mucho -y creo que nadie se tomó el trabajo de llevar la cuenta desde cuándo- se han ido transformando en "anónimos". ¿Y a qué nos referimos con esta aparentemente rara categoría? Al hecho de que hace tiempo -y exceptuemos el género musical- no surgen figuras de renombre, que superen el espectro de los círculos cerrados de cierta intelectualidad y se transformen en un murmullo en constante repetición en las masas populares. Hagamos un intento de falsacionismo al estilo Popper. Nosotros aquí y ustedes en sus casas: nombre de un escritor nuevo, contemporáneo, de un poeta, de un dramaturgo, de un artista plástico. No, todos los que nombraron hace tiempo que ya están dando vueltas.

Anónimos y sin la posibilidad de que su nombre se haga conocer, no por falta de aptitudes, sino por este tan eterno ajuste para con todos, pero en especial para aquellos que expresamos cosas que están más allá de lo cotidiano.

Cierta sensibilidad que no es propia nos permite imaginar, soñar con cosas por fuera de la explotación y la opresión de todos los días.

El arte tiene la obligación de romper los esquemas, las estructuras y de cerrar siempre hacia delante, aunque el arte sin los otros no es absolutamente nada, la belleza sin el que se deleite con ella no existe más que como aspiración.

La situación tan candente a escala mundial, la guerra por el dominio político del mundo; a nivel latinoamericano chocando con el callejón sin salida del nacionalismo burgués, el populismo, la demagogia y la entrega cipayesca junto al continuo saqueo, nos pone a nosotros, creadores, también en una tajante disyuntiva: o nos resignamos a esto diciendo que nada se puede hacer o con nuestras reivindicaciones nos sumamos plegándonos a los reclamos por salario, educación, salud y trabajo genuino.

El espacio o los espacios que poseemos cada se reducen más, se limitan o directamente desaparecen. Depende de nosotros y de nuestra acción consciente torcer la realidad. Si coincidimos en lo fundamental, estaremos en condiciones de coordinar, de unificar fuerzas y de empezar a transformar el presente para construir un futuro lleno de posibilidades y sin necesidades, el reino de los hombres libres.

¡Viva la semana latinoamericana del arte independiente!
Por la libertad del arte; por un arte de liberación.
Arte, sinónimo de Revolución.

SELAI desde España

2005-11-12T11:41:00.000-05:00

Semana Latinoamericana del Arte Independiente (SELAI)

Geopoeticas de lo fronterizo

“La importancia de un arte politico no deja de considerar la importancia de no dejar de lado los intersticios en cualquier analisis y gesto. O la importancia del ejercicio que tensiona la dualidad sobre la que se yergue occidente.

O la importancia de las imagenes de mancha, producidas por los millones de cuerpos que revuelven las ultimas resistencias de toda interpretación lineal de la historia,de la técnica y las fronteras.

O la simple y sana importancia de lanzar esta piedra en llamas contra el imperio de lo obvio”

Ultimamente, parecemos asistir a un avance de ciertas politicas de representacion,que traen consigo palabras como

clausura/apertura
prohibicion/permiso
civismo/incivismo
cierre de fronteras/libertad de circulacion
terrorismo/seguridad

en una dinamica que produce en los receptores ese dispositivo tan bien descrito por George Orwell en 1984: "el doble pensar".

Ubicadas nuestras vidas asi, en medio de un paisaje herido de violencias y contradicciones, en el centro de una ciudad modelo como es Barcelona, en un momento historico de particular complejidad y dificultad, permanecemos aun dispuestos a seguir habitando nuestro afan de imaginar y construir alternativas criticas y coherentes con una otra globalizacion, tan sonada y descrita por nuestros poetas de siempre y por todos aquellos que desde la eternidad continuan atravesando puertas, como las que quizas cada dia han de convivir con nosotros.

Y hemos siempre de cruzar una puerta, saltar una valla, derribar un muro, para llegar a donde estemos, y este cruce, esta distancia constitutiva de nuestra biologia es precisamente lo que nos reune,tanto como ayer, hoy y aqui, para accionar desde distintas posiciones en ese proyecto comun que no siempre queda pendiente,
este proyecto comun donde cuestionamos los topicos con los que se nos representa, discutimos el estar dentro de estas representaciones, el derecho a participar de veras en las decisiones que nos corresponden, la gestion de nuestra autonomia y la practica de nuestra libertad. Compartiendo las herramientas criticas, los dispositivos y las narraciones que han utilizado y siguen utilizando nuestros companeros de otros lugares para volver a apoderarse de sus vidas en este ejercicio constante de autonomia y lucha.

Es asi como una crítica a la alineación en el trabajo de la era global, no puede dejar de ser una crítica a los sistemas de control de las libertades individuales, de control de flujos (centros de internamiento, cárceles, centros de detención de menores y demases), de control y privatización constante del espacio público, en síntesis de la vida.

Afirmaciones como “nunca antes se trabajo tanto” o “la vida puesta a trabajar”, se muestran de absoluta coherencia en un contexto de difícil circulación, de difícil dialogo, de difícil diferencia, un contexto donde la alienación y la soledad, la falta de compromiso y la constante sensación de una vida en manos de otros, hacen reino, imperio.

Destacamos por ello con especial énfasis los discursos internacionalistas, las practicas de descolonización y los proyectos de cooperación tanto local como internacional surgidos y sustentados desde posiciones de base.

En sintesis, abrimos con toda intensidad un llamado al arte social, comprometido en lo latinoamericano y lo global del aqui y ahora, a encontrarnos y compartir movimiento, redes, energia en ascenso, poesia.

M.R.

Antonio Berni

2005-11-09T14:06:00.000-05:00

(Rosario 1905 – Buenos Aires 1981)

"...yo no concibo el arte sino como acción y testimonio (...) por eso cuento cosas, sobre todo porque tengo cosas para contar, para decir. Sin esto el arte pierde sentido..."

Antonio Berni mostró una forma de hacer arte político con compromiso estético y técnico, con personajes recurrentes en su obra pero siempre actual tanto en lo formal como en lo conceptual, dando al arte el palco social que se merece.

Berni estudió pintura en el centro Catala de Rosario. A los 14 años comienza sus muestras en Buenos Aires y en Rosario con obras impresionistas y paisajismo.

Entre 1925 y 1928 vive en Paris donde conoció a Louis Aragón y André Bretón, al sociólogo y filósofo marxista Henri Lefebvre y a Max Jacob, con quien aprendió la técnica del grabado. Tuvo contacto con Giorgio de Chirico y Magritte, fundamentales en su trabajo de estos años. Ayudó a distribuir un periódico para las minorías asiáticas y colaboró con ilustraciones para otros diarios y revistas.

El "crack" económico de 1929 repercutió en la ciudad y Berni debió volver. Había estudiado en los talleres de Lhote y Friesz, y conocido a Marinetti, Buñuel, Eluard y Tzara. Se hizo integrante de la primera vanguardia argentina.

En Rosario se habían asentado la mafia y la prostitución. “El artista está obligado a vivir con los ojos abiertos”, decía Berni. “Y en ese momento la dictadura, la desocupación, la miseria, las huelgas, las luchas obreras, el hambre, las ollas populares, eran una tremenda realidad que rompía los ojos”. Berni desarrolla un realismo socialista e ingresa al partido comunista.

En 1933, junto a los pintores Leonidas Gambartes, Juan Grela, Juan Berlengieri, Medardo Pantoja, Andrés Calabrese, Anselmo Piccoli, Domingo Garrone y el escritor Roger Plá, creó la Mutualidad de Estudiantes y Artistas Plásticos Rosarinos, revolucionarios en la forma y en los temas. Les interesaba trabajar "para el pueblo" y no "para un público", un arte para informar y formar, con libertad de experimentar con la técnica.

Berni trajo al muralista mexicano David Alfaro Sequeiros a disertar sobre el arte precolombino y el arte comprometido. En 1935 publica su artículo "Siqueiros y el arte de masas". En este texto cita el grabado entre las expresiones posibles del arte proletario en el régimen capitalista, sin alejarse de los lineamientos planteados por Aragón: “El realismo socialista sólo encontrará su valor universal en cada país si hunde sus raíces en las realidades concretas, nacionales, de la tierra que emana”.

La resistencia del gobierno y las familias influyentes se hizo sentir. Berni se fue a Buenos Aires. La Mutualidad no se pudo recuperar. El edificio en que funcionaba fue cerrado por orden judicial; la policía revisó todo y lo que había desapareció.

Entre 1935 y 1946, Berni será profesor de la Escuela Nacional de Bellas Artes. Participa en la Agrupación de Intelectuales, Artistas, Periodistas y Escritores, cuyo objetivo era la defensa de las libertades públicas y la lucha contra el fascismo. Realizó pintura, fotomontaje y collage, trabajos agresivos donde llama la atención la expresión de lo macabro.

La carga ideológica del grabado como técnica artística seriada, artesanal, barata y con gran capacidad de reproducción y de circulación, es elemento esencial en Berni, cuya primera muestra como grabador ocurrió en 1938. Poco a poco, irá alternando entre sus trabajos algunas litografías, aguafuertes e ilustraciones.

En Argentina se produjo en 1943 otro golpe militar. Con otros artistas, Berni expone al margen del Salón Nacional, en adhesión a los anhelos democráticos. En 1944 organiza el taller de arte mural Equipo Poligráfico Ejecutor. Junto a ellos y al pintor Enrique Policastro, fundará el “nuevo realismo”.

Entre 1946 y 1956, vive en Santiago del Estero. Por estos años afirmaba: "Los problemas del arte están sometidos a los de la vida, para servir a los hombres y no para separarnos de ellos". Realiza paisajes de barrios marginales. Trabaja con texturas, empastes, materia densa que recuerda el formalismo abstracto de la posguerra.

En la década del 60, se concreta el Berni grabador en sus series de xilografías y xilo-collage-relieve, ensamblando objetos de desecho bajo la temática de los barrios marginados. Surgen sus personajes Ramona Montiel y Juanito Laguna. Con ellos, el pintor desarrolla prototipos narrativos producto de la observación de Buenos Aires y sus villas: Berni las fotografía y analiza los espacios y su gente.

Berni crea un arquetipo que representa a los chicos que conoció en su paso por Santiago del Estero, seres buenos corrompidos por su entorno. Para Berni, Juanito Laguna es “un símbolo que yo agito para sacudir la conciencia de la gente...", "Quiero que para nadie sea un pobre chico sino un chico pobre...".

Los primeros Juanitos eran xilografías a color en gran formato a las cuales incorporaba telas, objetos de metal, basura industrial. Algunas piezas del collage sirven para construir la figura, las ropas o los juguetes del personaje mismo. El concepto de reciclaje ocupaba el centro de atención.

Con el auge del arte abstracto, la crítica se vuelca contra lo figurativo y el contenido extrapictórico. Pese a esto, en 1960 gana una mención en la exposición internacional de arte moderno en Buenos Aires. Para Marta Traba “es un realista-socialista que tiene la inteligencia de servirse de sistemas modernos de comunicación y expresión para seguir manifestando su denuncia”.

En 1964 lleva a cabo la serie “mounstros”. En 1978 termina la serie de Juanito Laguna y comienza con Ramona Montiel. Trabaja grabados a blanco y negro incluyendo intaglios en blanco total. Los desechos de los cuadros-collage se trasladan a los grabados renovando la técnica y la capacidad simbólica de las obras, agregando piezas moldeadas en epoxi y en yeso piedra.

“Ramona Montiel es un personaje de arrabal –decía Berni–, como surgido de una letra de tango; algo así como Milonguita. Es un personaje que vive una situación muy particular. Pasa por los momentos más duros, pero por momentos tiene una vida muy fácil. Pasa de ser costurera a amante de varios individuos..., toda una complicada trayectoria muy propia del siglo XX”.

“Ella es el símbolo de otra realidad social también cargada de miseria, como es Juanito, pero no tanto en el plano material (...). La mutación de los objetos en los cuadros con el tema de Ramona es distinta, en cuanto a color y materia, a la operada con el ciclo de Juanito. Las sedas chillonas, las pasamanerías y el oropel forman la parte principal del decorado sofisticado de Ramona que sólo puede gozar transitoriamente de ese lujo imitativo de las vanidades del gran mundo”.

Sus collages se transforman en ensamblajes, realiza instalaciones, esculturas y objetos, presenta tapices, mezcla materiales texturas y técnicas. En el grabado el relieve se hace cada vez más audaz, y el color más habitual y exaltado. En el 70 hace “Masacre de los inocentes y los rehenes”, un homenaje a los líderes guerrilleros.

En 1976, Berni va a Nueva York. Trabaja con Federico Peralta Ramos, usando íconos de magia de la tradición popular. Hace un arte irónico con parodias a la sexualidad y a la iconografía religiosa, mientras sigue trabajando con Ramona.

Finalmente vuelve a Buenos Aires, donde el 13 de octubre de 1981 deja este mundo. Días antes de su muerte decía: "El arte es una respuesta a la vida. Ser artista es emprender una manera riesgosa de vivir, es adoptar una de las mayores formas de libertad, es no hacer concesiones. En cuanto a la pintura es una forma de amor, de transmitir los años en arte".

Los espectadores tenemos varias tareas pendientes frente a Berni: descifrar en sus grabados los restos de objetos y materiales domésticos; abrir la carga política de esos desechos convertidos en ornamento y en estructura de historias cotidianas; navegar por un mundo obsceno en sus cualidades formales, visuales y táctiles; actualizar en cada mirada los Juanitos y las Ramonas que siguen viviendo.

Argentina: el Grupo Octubre

2005-09-09T23:16:00.000-05:00

Cultura popular y militancia

Emotivo reencuentro del "Grupo Octubre"

A 30 años de su creación, el mítico grupo de teatro popular "Octubre", se volvió a reunir este viernes 29 de julio en el Auditorio de la Universidad Popular Madres de Plaza de Mayo. En este marco, se realizó una muestra fotográfica y la proyección de un documental sobre el grupo, además de obras de teatro y la presentación del libro de elaboración colectiva: "Norman Briski: de Octubre a Brazo Largo, 30 años de teatro popular".

El evento recibió a los asistentes con una muestra fotográfica del grupo, en donde se iban sucediendo, de manera infinita, imágenes de Briski y sus compañeros de teatro "Octubre" en plena acción, ejerciendo su profesión arriba de escenarios improvisados en comedores populares o en villas miseria, como así también registros de momentos del vivir cotidiano de quienes fueron parte de una de las experiencias de teatro popular de base más importantes en Latinoamérica por la década del 70.

La muestra también daba cuenta del grupo heredero de aquella tradición, "Brazo largo" y de sus giras por el país. Se destacaba la mención que recibieron este año de parte de la Unión de Trabajadores Desocupados (UTD) de General Mosconi por "su visita, participación, y aportes, por la soberanía, en defensa de los recursos naturales, salud, educación y cultura" de dicha localidad salteña.

Briski y la búsqueda de una "estética para nuestra lucha"

A continuación, los asistentes fueron entrando al Auditorio de la Casa de las Madres, ya que comenzaba el acto central del encuentro. A modo de espejo, el escenario se repetía en el público, en su encuentro de varias generaciones de militantes, luchadores, amigos y estudiantes, quienes recibieron de pie y con aplausos la entrada de las Madres, con sus distintivos pañuelos blancos, y encabezadas por Hebe de Bonafini.

Y por si no había quedado claro el encuentro generacional y de lucha, tanto arriba como abajo del escenario, Norman Briski se encargó, de inmediato, de despejar dudas : "No voy a usar micrófono, porque soy como ustedes. ¡Apaguen esas luces --exclamó--, que acá no hay estrellas! Acá somos todos protagonistas". Y los aplausos no se hicieron esperar.

Su discurso de apertura tomó fuerza cuando el actor se refirió a la importancia de "encontrar una estética para nuestra lucha", expresada en el arte, como búsqueda de formas y contenidos originales y atrayentes al momento de expresar algo sobre la realidad. "No hay ningún gobierno que me diga lo que tengo que hacer", explicó, y agregó: "cada vez que hice teatro popular, sentía felicidad".

Apeló, luego, a la memoria de aquellos integrantes del "viejo Grupo Octubre", quienes fueron secuestrados y desaparecidos por la última dictadura militar: "el cadáver se lo queda cualquiera. Nosotros nos quedamos con la vida. Así que... ¡Derrotados las pelotas!", gritó y reivindicó, emocionado, acompañado por el aplauso del público y las lágrimas de otros integrantes de aquel "Octubre".

Grupo Octubre: nuevamente en escena

Y volvieron a escena. Como en aquellos tiempos. Tres de ellos comenzaron. Norman Briski, Julio Karp y Carlos Oves dieron vida a una escena de sus obras: "Los borrachos", donde abordan los problemas y prejuicios que debían enfrentar los militantes en su experiencia de trabajo de base, en los barrios, en las escuelas, al momento de concientizar a la gente con respecto a los frutos que da el trabajo cooperativo y colectivo.

Luego subió el resto de los actores, asistentes, cineastas, y colaboradores que compartieron esa experiencia de teatro militante. Y en sus voces se renovó la presencia de sus compañeros desaparecidos. "Las Titis", un grupo de arte titiritero (de ahí su nombre) que debutó junto al "Grupo Octubre" en una villa de Santa Fe. También apareció Raúl Iglesias, o "Hueso", como le decían, que "se acercó a Octubre como miembro del Grupo de Teatro Unidos de Pompeya". Hugo Fontenla ("Lalo") también dio el presente en su recuerdo como "organizador de las actividades del grupo". Un "quilombo de Villa Luján, que habíamos convertido en escuela", trajo el recuerdo de "Bigote", en la voz de una de las oradoras.

El director de Resumen Latinoamericano, Carlos Aznárez, también vinculado a esa experiencia, evocó la figura de varios militantes montoneros que colaboraban en el grupo: Infante Allende ("Fito"), que trabajaba en inteligencia con Rodolfo Walsh; Enrique "Jarito" Walker, periodista; Roberto Carri; y Ernesto Fosatti, periodista de la revista "Así", conocido por haber sido el primero que hizo una nota sobre el "Grupo Octubre".

También desfilaron Carlos Esforcini ("Carucha"), del área de cine del grupo, quien falleció en un accidente automovilístico, en una curva, camino a la costa atlántica.

Y por último, Briski recordó a Pepe Aguilar, un español que fue el único fotógrafo de Ernesto Che Guevara durante la primera etapa de la revolución cubana, y que, en palabras del actor argentino, "era parte de los ángeles que nos apoyaban y nos cuidaban".

La casa de las Madres en estado de asamblea

Mucha fue la sorpresa entre los asistentes al evento, como consecuencia de la puesta de una de las escenas de la obra emblemática del "Grupo Octubre", "La Toma". La escena en cuestión es la denominada "Asamblea", con la cual, de golpe, y sin aviso, el público se vio en medio de una asamblea en la cual se discutía la toma o no de una fábrica. De la nada, y entre el público, se
levantaban delegados sindicales y obreros que discutían, se insultaban y opinaban fervorosamente. Mayor aún era la sorpresa cuando alguno de los actores interpelaba directamente a alguno de los asistentes, entre indignado y enojado: "Vos, ¿porqué no hablás ahora, cagón? ¿Cuando estamos en las reuniones te quejás y acá no? ¡Hablá,loco!", en un claro llamado a comprometerse y actuar, ya que todos somos parte de esto.

Hebe y su grupo teatral

Luego, la presidenta de la Asociación Madres de Plaza de Mayo, Hebe de Bonafini, dio un discurso en el cual llamó a los militantes jóvenes a "no esperar un cambio para mañana", concreto, ya que "la revolución es permanente", y señaló que "no se puede luchar si uno no es apasionado".

Y entró a escena el grupo de teatro de la Universidad de las Madres, que representó su obra "Olor a pan", en la que abordan el tema de un grupo que arma una cooperativa para hacer pan.

Brazo Largo

Por último, y para dar por concluído el emotivo aniversario y reencuentro, el grupo Brazo Largo subió a escena con "Banderas", obra en la que plantea el tema de la búsqueda de la identidad nacional, a partir del cambio constante de banderas que hace el grupo en torno a un mástil, y al grito de "¡busquemos otras banderas para cambiar!". La obra se resuelve con una reivindicación de la lucha de Darío y Maxi y la contundente declaración de principios del final: "Este cuerpo es sangre y es bandera".

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Grupo Octubre : algo de historia

De manera sintética, se puede decir que el "Grupo Octubre" es un grupo de teatro popular que se creó en los 70 como una busqueda de síntesis entre la actividad militante y el teatro, concebido este último como una herramienta de lucha y de cambio político-social.

El grupo surgió como fruto de los debates e ideas provenientes de la conjunción de dos vertientes políticas: la Organización Montoneros, por un lado, y los curas de la doctrina de la Teología de la Liberación, por el otro, de la mano de las actividades del padre José Mujica en San Francisco
Solano.

Norman Briski se integra al grupo cuando éste ya tenía algunos años de existencia, aportando su capacidad, sus conocimientos y su experiencia en cuanto a su formación actoral.

El grupo se organizaba dividiéndose en nueve grupos que exponían sus obras en diferentes villas miseria, barrios y escuelas periféricas, fábricas y comedores populares de todo el país. Hasta que varios de sus integrantes empezaron a quedar registrados en las listas negras de la Triple AAA, por lo cual varios de ellos tuvieron que exiliarse. Precisamente, uno de los que se fue, en 1973, fue Briski.

Hoy, Briski continúa realizando la misma actividad pero dirigiendo el Grupo Brazo Largo, heredero de aquella tradición, y en base a los mismos principios. La agrupación está compuesta, en su gran mayoría, por jóvenes, y tiene su espacio formal en el Teatro Calibán, a pocas cuadras de la estación Constitución.

Fuente: Agencia La Vaca

Rolf Groven

2005-04-16T22:49:00.000-05:00

Rolf Groven (pintor noruego) ha estado pintando por mas de 30 años y su obra, de un estilo realista con una gran carga simbolica, le hace merecedor de un estilo unico donde el espectador no solo es enfrentado a una situacion de manera clara y concisa sino ademas se le es permitido jugar con su percepcion de la realidad y la verdad, es invitado a cuestionar y cuestionarse, puede ser expuesto como victima o verdugo segun su parecer.

Durante toda su vida artistica Groven ha estado en contra del poder establecido y al contrario de la mayoria de los artistas radicales de las decadas de los 60 y 70 él continua con su radicalidad.

Con una evocacion renacentista, parafraseando en algunos casos piezas del arte clasico, Groven nos pasea por el mundo comtemporaneo y sus sacras problematicas. Hace uso de las imagenes de sujetos de una controversial presencia politica y les reviste de cierta religiosidad que a su vez evidencia su falsa decencia y rectitud.

Sus pinturas han sido usadas para afiches por algunos de los luchadores sociales de estos años, lo cual le ha representado no estar en la escena mundial y nacional del arte. Groven es de esos artistas que nos enseñan que la batalla del arte se da dia a dia y durante toda nuestra vida, es un miembro mas del arte social y politico, de los artistas que aun creen en el arte y le ven con esperanzas, como una herramienta de comunicacion, informacion y resistencia.

Aun no se esta solo..

Enlace

http://www.groven.no/rolf/